« Jamais mes ancêtres n’ont vu de Sioux américains dans cette région »

Printemps 1877. De retour d'une saison de chasse, O'Rourke, sergent des Tuniques Rouges de la cavalerie canadienne, et Cajou, indien Cree et frère adoptif d'O'Rourke, tombent sur Grace Markey, seule survivante d'un convoi attaqué par les Sioux.

De retour au fort, O'Rourke informe le commandant Benton que les Sioux ont traversé la frontière canadienne et qu'ils vont tenter de rallier les Crees. Benton reçoit l'ordre de désarmer les Crees et de partir pour Fort Walsh. Au cours de ce périple, O'Rourke prend la situation en main...

« Si on a été capable de maintenir la paix au Canada avec un effectif de moins de 300 hommes, c’est que jusqu’ici on traitait les indiens comme des êtres humains »

Après avoir fait ses classes comme acteur, producteur et assistant réalisateur (notamment pour D. W. Griffith) durant la période du cinéma muet, Raoul Walsh prend du galon avec l’avènement du parlant, devenant un réalisateur à part entière. Se spécialisant d’abord dans les films noirs et de gangsters (« Les fantastiques années 20 », « La grande évasion », « Une femme dangereuse ») et les films de guerre (« Du sang sur la neige », « Aventures en Birmanie »), il devient l’un des réalisateurs les plus prolifiques des années 30 et 40. Mais plus que tout, c’est dans le western – son genre de prédilection – que Walsh s’illustre le plus. S’imposant comme l’un de ses meilleurs spécialistes, il réalise quelques films majeurs du genre (« La charge fantastique », « La rivière d’argent », « Une corde pour te pendre », « Les aventures du Capitaine Wyatt », « Les implacables ») et offre même son premier rôle à John Wayne (« La piste des géants » en 1930). Après un début de décennie 50 pour le moins prolifique (pas moins de 11 films réalisés entre 1950 et 1953 !), Raoul Walsh ralentit un peu la cadence et réalise un seul film en 1954, le western « Saskatchewan » (du nom de la province canadienne où il a été tourné), sorti en France sous le titre « La brigade héroïque ».

« Si on perd on sera scalpé. Si on gagne on sera pendu. »

Bien qu’ils ne soient pas directement liés, « La brigade héroïque » commence là où « La charge fantastique » se terminait quinze ans plus tôt. A savoir juste après la bataille de Little Big Horn (1876), durant laquelle les Sioux allaient s’offrir une victoire symbolique contre l’armée américaine ainsi que le scalp du mythique Custer. En conséquence de quoi les Sioux allaient être traqués et poursuivis par la cavalerie américaine jusqu’en territoire canadien où ils tenteront de rallier à leur lutte les paisibles tribus Cree. Assez inédit dans l’univers du western, ce changement de frontière et d’horizon devait conférer à ce film une touche d’exotisme nordique. Ainsi, les tuniques bleues de la cavalerie américaine (élément à part entière de la mythologie du western, à laquelle le grand John Ford consacrera même une trilogie) laissent ici place aux tuniques rouges de la police montée canadienne, qui n’avaient eu jusqu’ici les honneurs que d’un seul film, « Les tuniques écarlates » de Cecil B. DeMille (1940). En traversant la frontière, Walsh adopte pour l’occasion le point de vue des canadiens : pragmatiques et humains envers les indiens, ceux-ci vivent d’ailleurs en bonne intelligence avec eux. Tout le contraire de l’Amérique, qu’il critique sévèrement au travers du personnage du shérif, à la fois violent (envers la femme), lâche (il veut abandonner le soldat blessé, il tue un indien dans le dos) et manipulateur. Et alors que l’Amérique termine dans un bain de sang ses guerres indiennes, les soldats canadiens seront sauvés des Sioux par l’intervention des Cree. Porté par un très bon Alan Ladd et un Technicolor qui magnifie les superbes décors naturels du Saskatchewan, « La brigade héroïque » s’avère être un très bon western. Et un plaidoyer pour la réhabilitation des indiens, comme ont pu le faire quelques mois avant lui Dalmer Daves (« La flèche brisée ») ou Anthony Mann (« La porte du diable »).

« C’est forcément à toi qu’il répond puisque tu es la seule jeune fille à hisser des drapeaux »

Umi est une jeune lycéenne qui vit dans une vieille bâtisse perchée au sommet d’une colline surplombant le port de Yokohama. Chaque matin, depuis que son père a disparu en mer, elle hisse face à la baie deux pavillons, comme un message lancé à l’horizon. Au lycée, quelqu’un a même écrit un article sur cet émouvant signal dans le journal du campus. C’est peut-être l’intrépide Shun, le séduisant jeune homme qu’Umi n’a pas manqué de remarquer... Attirés l’un par l’autre, les deux jeunes gens vont partager de plus en plus d’activités, de la sauvegarde du vieux foyer jusqu’à la rédaction du journal. Pourtant, leur relation va prendre un tour inattendu avec la découverte d’un secret qui entoure leur naissance et semble les lier… Dans un Japon des années 60, entre tradition et modernité, à l’aube d’une nouvelle ère, Umi et Shun vont se découvrir et partager une émouvante histoire d’amitié, d’amour et d’espoir.

« M’occuper de tous ces gens m’empêche de me sentir triste et seule »

Dans la famille Miyazaki, on connaissait déjà Hayao, le père. Réputé pour ses talents de dessinateur et d’animateur dès les années 60, celui-ci se fait connaître du grand public à la fin des années 70 en tant que réalisateur d’anime (« Le château de Cagliostro » notamment), avant de créer quelques années plus tard les Studios Ghibli. Ceux-ci feront souffler un vent de renouveau sur le monde de l’animation japonaise en développant spécifiquement des longs métrages pour le cinéma. Une vraie révolution dans un pays où l’anime était traditionnellement conçue au format série télé. Imposant son style et son excellence, Miyazaki – et à travers lui les studios Ghibli – enchaîna les succès (« Mon voisin Totoro », « Le voyage de Chihiro », « Princesse Mononoké »), au point de se voir ouvrir les portes des marchés européens et nord-américains, peu habitué jusqu’ici à ces productions. Travaillant dans l’ombre de son père depuis une dizaine d’années, Goro Miyazaki était passé une première fois à la réalisation en 2006 avec « Les contes de Terremer ». Il nous revient cinq ans plus tard avec sa deuxième réalisation, « La colline aux coquelicots », adapté du célèbre manga shojo (manga pour filles) de Chizuru Takahashi paru en 1980. Pour la petite histoire, c’est Hayao Miyazaki qui en signe le scénario.

« Il n’y a rien à faire si ce n’est réprimer ce que l’on éprouve l’un pour l’autre. Faisons comme avant : restons de bons amis »

Malgré quelques tentatives (au demeurant réussies) d’Isao Takahata, les studios Ghibli ont toujours privilégié les contes fantastiques et oniriques sur lesquels ils ont bâti leur réputation (la plupart étant signés Hayao Miyazaki, tels « Mon voisin Totoro », « Princesse Mononoké », « Le chateau ambulant ») plutôt que les récits ancrés dans une certaine réalité sociale et historique (« Le tombeau des lucioles », « Souvenirs goutte à goutte », « Mes voisins les Yamada »). De fait, si les débuts de Goro Miyazaki étaient placés résolument dans les pas de son père (« Les contes de Terremer »), son deuxième film semble marquer son émancipation de l’univers paternel. En effet, avec « La colline aux coquelicots », Goro délaisse les créatures imaginaires et merveilleuses de son père pour nous proposer une chronique lycéenne ancrée dans les contestations estudiantines qui marquèrent le Japon des années 60. Sur fond de quête identitaire et de nostalgie, « La colline des coquelicots » nous convie à un joli récit initiatique, dans lequel deux adolescents feront l’expérience du premier amour en même temps que du premier combat « politique ». Si l’histoire semble être un peu plus mature qu’à l’accoutumée, Goro Miyazaki n’en oublie pas pour autant d’y insuffler tout ce qui fait la magie des films Ghibli : des paysages d’une beauté renversante, des couleurs magnifiques, une animation ultra léchée, ainsi que des musiques accrocheuses. De quoi rendre son film émouvant jusque dans la ritualisation des gestes quotidiens (la préparation du repas, le hissage d’un drapeau). Une belle surprise donc, que cette « Colline aux coquelicots », véritable petit moment de grâce et de charme qui habite le spectateur encore longtemps après l’avoir vu. L’élève semble s’affirmer et égaler le maitre !

« Les avis sur Venise divergent : certains la trouvent trop calme, d’autres la trouvent trop bruyante. Mais tous la trouvent belle ! »

Jane, alerte quadragénaire américaine, mais toujours célibataire, arrive à Venise pour y passer ses vacances.

Rêvant depuis toujours de découvrir la Cité des Doges, elle arrive euphorique en ville.

Mais le romantisme de celle-ci lui fait davantage ressentir le poids de sa solitude jusqu’à ce qu’elle rencontre un antiquaire vénitien, le passionné Renato. Mais il y a un hic, le bel italien est marié…

« Il y avait sur ce bateau qui cherchait au plus profond d’elle-même quelque chose. Comme une sorte de merveilleux miracle magique et mystique. Trouver ce qui lui avait manqué toute sa vie »

La carrière de David Lean se divise aisément en deux périodes bien distinctes : d’une part sa période anglaise (du début des années 40 jusqu’au milieu des années 50) faite de mélos intimistes le plus souvent filmés en noir et blanc, et de l’autre, sa période hollywoodienne (du milieu des années 50 jusqu’aux années 80) constituée de grandes fresques flamboyantes en Technicolor. A cheval sur ses deux périodes, « Vacances à Venise », tourné en 1955, fait office de trait d’union dans la carrière de Lean. Considéré par son auteur comme étant le film préféré de sa propre filmographie, « Vacances à Venise » possède le minimalisme de sa période anglaise tout en annonçant son évolution vers un cinéma visuellement plus riche (tournage en décors naturels, en Technicolor, avec une grande star américaine : Katherine Hepburn). Adapté d’une pièce de Arthur Laurents qui a triomphé à Broadway trois ans plus tôt, « Vacances à Venise » eut le rare privilège d’être tourné directement dans la ville. En effet, bien que peu encline à laisser une équipe de tournage perturber l’activité touristique, la municipalité a néanmoins donné son autorisation en contrepartie d’une importante contribution financière destinée à la restauration du patrimoine versée par la production. A noter, pour l’anecdote, que lors de la scène où elle chute dans le canal, Katherine Hepburn a contracté une sérieuse conjonctivite qui la suivra jusqu’à la fin de sa vie.

« Pourquoi toujours chercher à comprendre ? Les plus belles choses n’ont pas besoin d’être comprises »

S’il y a bien une constante dans le cinéma de David Lean, c’est son goût pour les histoires d’amour passionnées autant qu’impossibles. De « Brève rencontre » aux « Amants passionnés » en passant par « Le docteur Jivago », il fut ainsi l’un des maitres du mélo romantique et flamboyant. En cela, il ne déroge pas à la règle puisqu’il est aussi question d’amours impossibles dans « Vacances à Venise ». Surfant sur la vogue très 50’s des comédies romantiques prenant pour cadre l’Italie (« Vacances romaines » triompha quelques mois plus tôt, avant « C’est arrivé à Naples » ou plus tard « Avanti ! »), Lean nous fait suivre le voyage d’une vieille fille américaine dans la capitale des amoureux. Au fil de ses périgrinations dans la ville des Doges, l’héroïne se laissera porter par la beauté du lieu et l’atmosphère très « Dolce Vita » qui y règne. De ses rencontres (un couple de touristes bas du front, des amoureux « seuls au monde », un gamin des rues malicieux, un bel antiquaire) cependant ressurgiront son mal-être et sa pensante solitude. Si « Vacances à Venise » reprend les thèmes de prédilection du cinéaste, on y retrouve aussi ses principaux défauts. A commencer par un récit au rythme terriblement lent et beaucoup trop étiré en longueur alors même que l’histoire, assez basique, ne le justifiait pas. Toutefois, il en ressort un joli et émouvant portrait de femme, à la fois libre, indépendante et désenchantée, magnifiquement interprétée par Katherine Hepburn, qui reçut pour l’occasion une nomination à l’Oscar de la meilleure actrice. Quant à Lean, toujours en avance sur son temps, il signe là un beau film féministe, s’affranchissant pour l’occasion des standards moraux de l’époque en imposant un personnage de femme libre et forte, au cœur d’une romance purement sexuelle et extraconjugale.

Un grand merci à Cinetrafic qui m’a permis de chronique le dvd du « Sang des templiers » de Jonathan English.

« Il y a une valeur dans toute mort. J’en donnerai une à la votre. »

En 1215, le roi d’Angleterre, Jean, a été contraint de signer la Magna Carta, un document qui assure la liberté du peuple et constitue désormais la base du droit commun en Angleterre. Furieux d’y avoir été forcé, il lève une armée de mercenaires et commence à piller le pays pour reprendre le pouvoir. Il est sur le point d’atteindre Londres et de remporter la victoire, mais un dernier obstacle se dresse encore sur sa route : le château de Rochester.

À l’intérieur, rassemblée par le baron Albany, une petite bande de guerriers rebelles s’est jurée de retenir le roi Jean jusqu’à l’arrivée des renforts. Elle compte un chevalier Templier ; Isabel, la dame du château, mais aussi des mercenaires endurcis comme Beckett et des jeunes soldats tels Guy, qui va goûter à la bataille pour la première fois – et peut-être bien la dernière. Chacun a ses espoirs, ses démons et ses secrets. De part et d’autre de la muraille, les deux camps sont prêts à tout pour l’emporter et l’heure de l’affrontement approche...

« Tuer un homme n’a rien de noble. Ni pour la liberté. Pas même pour Dieu »

Crée en 1129, l’Ordre du Temple avait pour mission de défendre la Terre Sainte et de protéger les pèlerins. Pour ce faire, il pouvait compter sur ses chevaliers templiers, redoutables guerriers aguerris, qui devaient disparaître en même temps que l’Ordre en 1312. Forts de leurs combats durant les croisades et du mystère qui entoura la disparition de l’Ordre, les templiers devinrent des figures mythiques de l’époque médiévale. De quoi inspirer nombre de légendes dans la culture populaire. Et de cinéastes qui vantèrent leur héroïsme et leur bravoure, aussi bien dans des films historiques (« Kingdom of heaven ») que dans des films d’aventures (« Indiana Jones et la dernière croisade », « Benjamin Gates et le trésor des templiers ») ou de SF (« Le dernier des templiers »). Après avoir inspirés des réalisateurs de la trempe de Steven Spielberg ou Ridley Scott, au tour de l’anglais Jonathan English (déjà auteur de deux longs restés inédits en France) de succomber à l’attrait des chevaliers templiers avec « Le sang des templiers ». Un film d’action historique totalement indépendant, qui nécessita qu’une réplique du célèbre château de Rochester soit entièrement réalisée au Pays de Galles.

« Un templier offre sa virginité à Dieu alors que l’épouse en souffre à côté de son mari »

Dans son récent « Robin des bois », Ridley Scott revenait sur la fronde des barons anglais qui déboucha sur la signature de la Grande Charte, qui mit un terme à la monarchie absolue. « Le sang des templiers » pourrait être une sorte de suite chronologique, s’intéressant à ce qui se passa après, lorsque le roi Jean tenta de reprendre sa parole et de soumettre les barons. Partant d’un épisode historique réel (le siège par les troupes du roi du château de Rochester) avec lequel il prend un certain nombre de libertés (le château était défendu par une grosse centaine d’hommes et non une quinzaine, les français arrivèrent plusieurs mois après la bataille, le baron ne fut pas exécuté), English nous livre un film d’action médiéval très efficace et sans temps morts (chose rare pour un film de plus de 2h !). Hyper référencé, son film emprunte par ailleurs beaucoup au genre du western (qui ce soit dans le côté sacrificiel de ses personnages façon « Les sept mercenaires » ou dans le fait qu’ils soient assiégés comme dans « Alamo » ou « Rio Bravo »), ce qui contribue pour beaucoup à l’efficacité générale du film, qui, pour une fois, ne joue pas la carte du manichéisme ou de la mauvaise foi historique (les français ne sont pas ici les méchants). Porté qui plus est par un casting au diapason, notamment par le méconnu mais parfait James Purefoy (faux air de Hugh Jackman, aperçu dans « Salomon Kane ») ainsi que le génial Paul Giamatti et la belle Kate Mara (qui remplace Megan Fox, initialement prévue), « Le sang des templiers » est, dans son genre, une vraie réussite !

Le DVD : Edité par Metropolitan Filmexport, le film est présenté en VF et en VO (sous-titres français disponibles). Outre les bandes-annonces, il est également accompagné d’un commentaire audio, de photos et de notes de production. Le vrai plus, c’est son making-of (10 minutes) dans lequel le réalisateur et les acteurs présentent les personnages, le tout accompagné d’images du tournage.

« Le sang des templiers » est édité par Metropolitan Filmexport et sera disponible le 4 janvier 2012.

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