« Depuis quand a-t-on cessé d’être un couple ? »

A tout juste quarante ans, Cal Weaver mène une vie de rêve - bonne situation, belle maison, enfants formidables et mariage parfait avec sa petite amie du lycée. Mais lorsqu’il apprend que sa femme, Emily, le trompe et demande le divorce, sa vie « parfaite » s’écroule. Pire, dans le monde des célibataires d’aujourd’hui, Cal, qui n’a plus dragué depuis des lustres, se révèle un modèle d’anti séduction. Passant désormais ses soirées à bouder tout seul au bar du coin, l’infortuné Cal est pris en main comme complice et protégé d’un séduisant trentenaire, Jacob Palmer. Pour l’aider à oublier sa femme et à commencer une nouvelle vie, Jacob tente de faire découvrir à Cal les nombreuses perspectives qui s’offrent à lui : femmes en quête d’aventures, soirées arrosées entre copains et un chic supérieur à la moyenne. Cal et Emily ne sont pas les seuls en quête d’amour: le fils de Cal, Robbie, 13 ans, est fou de sa baby-sitter de 17 ans, Jessica, laquelle a jeté son dévolu… sur Cal ! Et en dépit de la transformation de Cal et de ses nombreuses nouvelles conquêtes, la seule chose qu’il ne peut changer reste son cœur, qui semble toujours le ramener à son point de départ.

« Je t’aide ou je t’euthanasie ? »

Il y a deux ans, les scénaristes John Requa et Glen Ficara (scénaristes notamment de l’excellent « Bad santa ») passaient à la réalisation avec « I love you Philip Morris », une comédie ubuesque franchement dingue inspiré d’une histoire réelle. Une première remarquée, qui sortait des sentiers battus du cinéma US en flirtant avec le politiquement incorrect. De quoi effrayer les producteurs US, conservateurs et frileux, au point que le film ne devait voir le jour qu’à la faveur de l’engagement de Luc Besson. On attendait donc leur second long avec impatience. Les revoilà donc aux commandes de « Stupid Crazy love » dont ils n’assurent que la réalisation, le scénario était l’œuvre de Dan Fogelman, ancien scénariste de chez Disney qui a notamment signé les scénarios de « Cars », « Volt » ou encore « Raiponce ».

« Au lieu de sauter de la voiture j’aurai du me battre pour toi »

Genre phare de la production cinématographique US, la comédie romantique peine à se renouveler et à nous surprendre. On comptait donc sur le punch et le côté irrévérencieux de nos deux compères pour mettre un coup de pied dans l’ordre établi et apporter un peu de fraicheur à ce genre qui tourne si souvent en rond. Une mission a priori à leur portée d’autant qu’ils pouvaient compter sur un casting quatre étoiles regroupant notamment Steve Carell, Julianne Moore ou encore les très prometteurs Ryan Gosling et Emma Stone. Pour tout dire, le film partait plutôt bien. En abordant des thèmes délicats (la crise du couple, celle de la quarantaine), d’un point de vue original (ici c’est la femme qui est touchée par la crise), le début était même assez plaisant. On était ainsi plutôt conquis par le mutisme désabusé de Steve Carell et sa reprise en main façon « Pretty woman » par le jeune playboy arrogant interprété par un Ryan Gosling surprenant d’autodérision. Un amusant quiproquo avec l’excellente Marisa Tomei plus tard, le film basculait alors dans sa seconde partie, se faisant alors plus grave : le don juan patenté tombe amoureux et se range des voitures tandis que le héros manque l’occasion de retrouver sa femme. Trainant un peu la patte, le film amorce alors un virage à 180 degrés, virant même au ridicule le temps d’une improbable (et hallucinante) scène de retrouvailles générales. Complètement en roue libre, le film sombre dans les bons sentiments démonstratifs, le mélo bas de gamme le tout saupoudré de la bonne vieille morale puritaine américaine (le sexe étant forcément lié à certaine idée de culpabilité, le tombeur tombant amoureux de la seule fille qui ne couche pas ; le personnage principal nous rappelant que le mariage c’est pour la vie), au point de devenir embarrassant. Les réalisateurs auraient voulu saborder leur film ou se tirer une balle dans le pied qu’ils n’auraient pu faire mieux. Vraie déception donc pour ce film qui partait bien et dont on attendait beaucoup plus et beaucoup mieux.

« Vous préférez miser sur des cartes alors que des centaines de braves gens ont misé leur vie sur vous ? »

Dans les années 1870, deux jeunes maquignons acceptent de conduire un convoi de mormons vers la vallée de San Juan dans l’Utah.

C’est vers cette "Terre promise" qu’ils souhaitent se rendre avec leurs biens et leurs aspirations afin d’y fonder une nouvelle colonie.

Au cours de leur odyssée, ils vont devoir affronter maintes péripéties et accueillir, au sein de leur communauté assez stricte, de pathétiques saltimbanques et de cruels hors la loi.

« Le Seigneur n’a pas mis ces gens sur notre route par hasard. Et il serait mécontent que nous contrecarrions ses plans »

Spécialiste toutes catégories du western, le prolifique John Ford consacre la fin des années 40 à la réalisation de sa trilogie dite de la cavalerie. Un chantier de longue haleine, qui comprend « Le massacre de Fort Apache » (1948), « La charge héroïque » (1949) et « Rio Grande » (1950). Des films âpres entre lesquels il réalise des films plus légers. Intercalés entre les deux derniers épisodes de sa trilogie, il réalise successivement « Planqué malgré lui » et « Le convoi des braves ». Écrit avec son fils et son scénariste attitré, ce dernier lui permet de retrouver ses acteurs fétiches (à l'exception notable de John Wayne) qui l'ont accompagné sur sa trilogie pour un projet a priori plus divertissant. Autour de l'indéboulonnable Ward Bond, il donne les rôles principaux aux deux jeunes de la bande, jusqu'ici cantonnés aux seconds rôles: Ben Johnson, un ancien cascadeur qui obtiendra plus tard un Oscar pour son rôle dans la « Dernière séance » de Bogdanovic, et Harry Carey Jr., fils d'une star du muet qui fut un grand ami de Ford.  

« Cet indien que les hommes blancs sont des voleurs. Il est moins bête qu’il n’en a l’air »

Après la rugosité de sa trilogie de la cavalerie, Ford s'offre une petite recréation avec ce « Convoi des braves », qui, en dépit d'une scène d'ouverture qui se conclut par un meurtre, adopte vite une tonalité assez légère. A l'image du gag du sifflet qui rend fou le cheval du shérif qui se retrouve ainsi désarçonné. Très vite on craint même le pire quand le film nous présente ses jeunes héros tels de grands adolescents droits dans leurs bottes, qui ne fument et ne boivent pas, et qui prennent à cœur de guider à bon port le convoi de gentils pionniers mormons. Mais le cinéma de John Ford n'a jamais laissé la place à la niaiserie, pas plus qu'à la morale bien pensante. En bon routier du genre, il attend ainsi de perdre sa caravane dans le désert pour faire apparaitre les obstacles et faire monter la tension. Celle-ci viendra d'une bande de hors la loi qui prendra en otage le convoi pour mieux échapper à la traque du shérif. Le dénouement, d'une belle efficacité, tiendra toutes ses promesses. Mais c'est surtout par son discours que le film demeure marquant. En présentant le véritable danger comme venant de l'homme blanc, cupide et vil, et non de l'indien, ici plutôt pacifique, Ford prend tout son petit monde à contre pied. Et se révèle d'une incroyable modernité pour l'époque. 

« Tu as abattu une légende. Ce qui fait de toi la nouvelle légende à abattre »

Allemagne - Première Guerre mondiale. Le jeune pilote Manfred von Richthofen, alias Le Baron Rouge, est une célébrité au sein de l'armée de l'air allemande.

Sa passion pour l'aviation lui ferait presque oublier que la guerre bat son plein en Europe.

Quand il tombe amoureux de la belle infirmière Käte, il réalise peu à peu que son image est utilisée à des fins de propagande.

Il doit alors faire un choix entre son dégoût pour la guerre et son sens du devoir...

« Je ne veux pas surprendre : je veux être l'emblème de la terreur »

Après la nouvelle vague du cinéma allemand des années 70 (animée par Wenders, Herzog ou Fassbinder), celui-ci était devenu particulièrement discret pendant près de vingt ans. Avant de retrouver, depuis une dizaine d'années, un peu de sa vigueur et de sa visibilité à l'international. Un renouveau du à une nouvelle génération de réalisateurs et de comédiens, qui ose braver certains tabous en se replongeant dans l'Histoire allemande du vingtième siècle. A commencer par la période nazie (« La chute », « Sophie Scholl : les derniers jours », « Les faussaires ») et celle du régime communiste de l'ancienne RDA (« Goodbye, Lénine », « La vie des autres »). Avec « Baron rouge », le réalisateur Nikolaï Mülleschön se replonge cette fois dans les affres de la première guerre mondiale. Cette coproduction germano-britannique, entièrement tournée en anglais, est consacrée au célèbre Manfred Von Richtofen, alias le Baron rouge. Pilote émérite de l'armée allemande, il fut l'as des as de la première guerre mondiale, remportant 80 victoires avérées, avant d'être lui-même abattu le 21 avril 1918. Sa jeunesse, son habileté et les conditions troubles de sa mort le feront entrer définitivement dans la légende. Ce « Baron rouge » est le second film à lui être consacré, après « The red baron » de Roger Corman, réalisé en 1971. Malgré son imposant budget de 17 millions d'euros (qui en fait du coup l'un des films les plus chers produit outre-Rhin), le film, qui a été un échec au box-office allemand, reste inédit sur nos écrans.

« Tu es ma plus belle victoire »

Aussi terrible et meurtrière fut-elle, la première guerre mondiale devait révolutionner la façon de faire la guerre. Si les combats faisaient déjà rage pour contrôler la terre et la mer, l'aviation naissante allait faire du ciel le théâtre de batailles d'un nouveau genre. Et les hommes qui se battaient pour sa conquête allaient devenir des chevaliers des temps modernes, avec leurs codes, leurs blasons et leurs joutes. Leurs exploits allaient inspirer durablement les réalisateurs, de Howard Hughes (« Les anges de l'enfer ») à John Guillermin (« Le crépuscule des aigles ») en passant par Roger Corman (« The red baron ») ou plus récemment Tony Bill (« Flyboys »). Ce « Baron rouge » devait toutefois apporter un regard neuf et un point de vu original sur la guerre et sur Von Richtofen, de par la nationalité du réalisateur et du choix de filmer le conflit vu du camp allemand. Malheureusement, le film ne tient pas vraiment ses promesses. La faute notamment à un scénario mal écrit, qui privilégie davantage la relation amoureuse (sans intérêt !) entre Von Richtofen et une infirmière belge ainsi que sa prise de conscience progressive quant à l'absurdité du conflit plutôt que les qualités militaires de ce dernier. De fait, empilant scolairement les saynètes dans l'ordre chronologique, le film vire vite à l'hagiographie, faisant passer le Baron rouge pour un homme sentimental qui se paye le luxe d'étaler ses états d'âme devant le Kaiser. Une vision qui semble à l'opposé de ce que laissent croire les origines du Baron rouge, issu de l'aristocratie prussienne et qui reçut une éducation militaire dès son plus jeune âge. Si le choix d'attribuer le rôle titre à un acteur sans charisme est critiquable, on regrette également l'absence totale de prise de risque de l'auteur, qui refuse de donner son point de vue quant à la mort du héros, toujours objet de controverses aujourd'hui. Dommage, car en dépit de cela, les reconstitutions historiques et les batailles aériennes sont vraiment très réussies et impressionnantes. Mi-figue mi-raison, « Baron rouge » se laisse tout de même regarder. Mais n'est pas à la hauteur de la légende à qui il rend hommage.

« Les criminels sont souvent comme des rhumes de cerveau : inopinés, on ignore quand on les attrape ! »

Sherlock Holmes et le docteur Watson sont invités à une soirée des Ballets russes, sur l'initiative de la danseuse étoile Madame Petrova : celle-ci voudrait d'Holmes un enfant qui ait son intelligence et lui offre en échange un violon Stradivarius.

Le détective refuse, prétextant que Watson est son « compagnon ». Un peu plus tard, un cocher amène à leur domicile une jeune femme amnésique qui vient d'échapper mystérieusement à la mort et n'a sur elle qu'un indice, l'adresse des deux hommes.

Cette personne, retrouvant la mémoire, déclare s'appeler Gabrielle Valladon et demande à Holmes, qui accepte, d'enquêter sur la disparition de son mari.

Le frère du détective, Mycroft Holmes, un agent du Gouvernement, le dissuade de poursuivre ses recherches.

« Tout l'art de se dissimuler est de pouvoir se retrouver à la bonne place au moment souhaité »

Maitre du film noir dans les années 40, Billy Wilder s'impose dans les années 50 comme le prince de la comédie burlesque américaine. Il enchaine ainsi les succès à un rythme effréné (près d'un film par an), tels « Sabrina », « Ariane », « Sept ans de réflexion », « Certains l'aiment chaud » ou encore « La garçonnière ». Pourtant, avec l'arrivée des années 60, sa carrière commence à s'essouffler, annonçant son déclin. L'envie et le génie sont pourtant toujours là. Mais le public, lui, ne le suivra pas alors que ses comédies se font plus graves et plus mélancoliques. Après l'échec commercial de « La grande combine » (1966), il met quatre ans à écrire et réaliser « La vie privée de Sherlock Holmes ». Passionné par le héros crée par Sir Arthur Conan Doyle, Wilder rêve depuis toujours de lui consacrer un film. Et en la matière il voit les choses en grand, prévoyant de réaliser une grande fresque, entrecoupée d'un entracte (comme c'était souvent le cas une dizaine d'années plus tôt, notamment pour les grands péplums tels que « Spartacus » ou « Ben Hur » ou pour les grandes fresques de David Lean). Son scénario initial prévoyait ainsi de nombreuses intrigues annexes, sous forme de flash-back, permettant de cerner la personnalité complexe du célèbre détective. Mais le premier montage du film, dépassant les 3h30 de durée, n'obtient pas l'aval des producteurs qui le contraignent à sacrifier ces fameuses séquences (qui sont aujourd'hui pour la plupart perdues). Sorti sur les écrans en 1970 dans un format ramené à une durée de deux heures, le film sera un échec commercial, en dépit d'une critique enthousiaste.

« Nous avons tous de temps à autre de pareils échecs. Par chance, le Docteur Watson ne relate jamais les miens ! »

Plus encore que ses enquêtes, ce qui fascine le plus Wilder chez Sherlock Holmes, c'est sa personnalité. Complexe et torturé, le détective n'est pas un redresseur de tort ni un justicier mais un esprit brillant qui prend un plaisir proportionnel à la complexité du problème à résoudre. Construit en deux parties clairement distinctes, le film se fait d'abord déroutant dans son entame. Wilder prend ainsi le temps de planter son décor (très belle reconstitution de la Londres victorienne) et de mettre en place ses personnages (Robert Stephens et Colin Blakely remplacent Peter O'Toole et Peter Sellers, un temps envisagés), quitte à s'appesantir un peu sur la drôle de relation entre Watson et Holmes et sur les zones d'ombre de ce dernier (sa misogynie, son addiction à la cocaïne). Longue à se mettre en place, déconcertante, cette première partie réserve néanmoins quelques moments de grande drôlerie (la danse de Watson) et quelques bons mots (l'échange entre Watson et Holmes au sujet de l'ambigüité sexuelle de ce dernier). Et puis le film s'accélère avec l'arrivée impromptue d'une femme amnésique (formidable Geneviève Page) au domicile de Holmes, faisant basculer le film dans l'enquête à proprement parlée. Celle-ci, conduisant le trio de Londres à Inverness, réserve son lot de rebondissements aussi truculents qu'improbables, mêlant pêle-mêle le monstre du Loch Ness, des moines trappistes ou encore la Reine Victoria. Mais l'essentiel du film est ailleurs. Quelque part dans le portrait doux-amer que dresse Wilder du célèbre détective. Loin de la surenchère héroïque des récits de Watson, Wilder fait tomber le masque de Holmes et nous révèle un homme faillible, vulnérable et profondément mélancolique. A ce titre, les deux dernières scènes du film, toutes en non-dits, sont deux petits bijoux d'émotion feutrée qui en disent long sur le personnage de Holmes. Quant à Wilder, non content de réaliser la meilleure adaptation de Sherlock Holmes, il signe un beau film, dont l'élégance n'a d'égale que la finesse.