Samedi 29 octobre 2011
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« Ce que je fais dans la vie ? Je conduis »
Un jeune homme solitaire, "The Driver", conduit le jour à Hollywood pour le cinéma en tant que cascadeur et la nuit pour des truands. Ultra professionnel et peu bavard, il a son propre code de conduite. Jamais il n’a pris part aux crimes de ses employeurs autrement qu’en conduisant - et au volant, il est le meilleur ! Shannon, le manager qui lui décroche tous ses contrats, propose à Bernie Rose, un malfrat notoire, d’investir dans un véhicule pour que son poulain puisse affronter les circuits de stock-car professionnels. Celui-ci accepte mais impose son associé, Nino, dans le projet. C’est alors que la route du pilote croise celle d’Irene et de son jeune fils. Pour la première fois de sa vie, il n’est plus seul. Lorsque le mari d’Irene sort de prison et se retrouve enrôlé de force dans un braquage pour s’acquitter d’une dette, il décide pourtant de lui venir en aide. L’expédition tourne mal… Doublé par ses commanditaires, et obsédé par les risques qui pèsent sur Irene, il n’a dès lors pas d’autre alternative que de les traquer un à un…
« J’ai un truc que les grandes écuries n’ont pas : j’ai un pilote. Avec un volant entre les mains ce gamin peut tout faire »
Prodige du cinéma danois, Nicolas Winding Refn réussissait des débuts remarqués en réalisant « Pusher », immense trilogie consacrée aux bas-fonds de
Copenhague et aux crapules notoires qui y prospèrent de trafics en tous genres. Fort de ce succès, le réalisateur aura depuis réussi un parcours sans faute, ponctué de grands films aussi
originaux qu’exigeants (« Le guerrier silencieux », « Bronson »), se construisant au passage une filmographie d’une rare cohérence. Des qualités rares,
qui ne passent pas inaperçues. Pour preuve, Ryan Gosling, l’acteur qui monte à Hollywood, a fait appel à lui pour le diriger dans ce « Driver ». Adapté du roman
de James Sallis, « Driver » est ainsi son premier film américain. C’est aussi le premier film dont il ne signe pas lui-même le scénario. Présenté en compétition à Cannes, le film
repartira auréolé du Prix de la mise en scène.
« C’est rare d’avoir une deuxième chance dans la vie, pas vrai ? »
Outre le fait qu’il soit un grand réalisateur, Nicolas Winding Refn est aussi un cinéphile averti, imprégné de références prestigieuses. Son « Guerrier
silencieux » n’était-il pas à ce titre une forme de relecture du « Aguirre la colère de Dieu » de Werner Herzog ? Avec « Drive », il aborde son premier
film de commande à sa façon habituelle. Puisant ses références dans le meilleur du film de genre d’hier (« Le samouraï », « The driver », « L.A.
Confidential », « Police Fédérale Los Angeles ») et d’aujourd’hui (« La nuit nous appartient », « Collateral », « No country for old men
»), il signe un polar efficace et sophistiqué. Tel un pilote chevronné, il s’amuse à passer les vitesses, alternant lenteur générale et accélérations par à-coups, lui permettant
de composer une ambiance froide et éthérée qui est pour beaucoup dans la réussite du film. Passant en un éclair de moments de romance pure à la sauvagerie la plus extrême
(magnifique scène du baiser dans l’ascenseur qui précède un défonçage de crâne mémorable), son film souffre cependant – et c’est là son seul défaut – d’un certain manque d’originalité
dans son intrigue. Un défaut compensé par une mise en scène extrêmement léchée dans laquelle le réalisateur fait montre de toute sa maestria (impressionnante scène du
face à face final, qui alterne calme et déferlement de violence). Porté par un casting impérial (Ryan Gosling en héros mutique compose un excellent alter ego du «
Samouraï » Costello) et une bande musicale savamment choisie, « Drive » sort du commun de la production cinématographique actuelle et s’impose comme étant un bon film.
Un zest d’originalité en plus et on frôlait le chef d’œuvre.
Par Platinoch
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Publié dans : Films noirs/Policiers/Thrillers
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« Imagine que tu mesures 2,05 mètres et que tu
pèses 220 kg à 13 ans : personne n’a envie de te prendre dans ses bras »
Les films consacrés aux sports de combat sont légions. Mais en la matière, c’est la boxe qui l’emporte
(« Rocky », « Fighter », « Warriors », etc…). De mémoire de cinéphile, on n’avait pas vu de catcheur au centre d’un film depuis
« The wrestler » de Darren Aronofsky dans lequel Mickey « The ram » Rourke livrait une incroyable performance. Pourtant, le catch est un sport extrêmement populaire
aux Etats-Unis. En conséquence, la WWE, la société qui organise et gère le catch professionnel aux USA, a crée au début des années 2000 la WWE studios, filiale lui permettant de produire
des films sur le catch mettant en vedette ses propres stars. Après « Legendary » qui mettait en scène la star du catch John Cena, voici donc
« Krunk out », leur deuxième production (restée elle aussi inédite sur nos écrans), portée par The Big Show, quintuple champion du monde. A la réalisation, on
retrouve l’expérimenté Michael Watkins, qui a essentiellement officié pour des séries télé comme « X-Files », « Code Quantum » ou encore
« Monk ».
Il ne faut pas toujours chercher la petite bête. « Krunk out » n’est pas un chef d’œuvre : il
n’en a ni la vocation ni l’ambition. Il assume au contraire d’être une sympathique série B. Une sorte de téléfilm amélioré, à mi-chemin entre les comédies familiales
américaines (on repense à certains vieux Schwarzenegger façon « Un flic à la maternelle » ou encore à « Oncle Buck » avec
John Candy) et les films de Bud Spencer et Terrence Hill (période « Petit papa baston »). L’humour y est ras des pâquerettes
(à base de flatulences notamment) et l’histoire y est convenue et cousue de fil blanc, le tout sur une histoire de road movie qui n’évite pas certains clichés (notamment les
méchants motards). Il n’empêche, bien entouré de quelques acteurs expérimentés de séries télé (Denis Farina, Melora Hardin, ou encore Mark
Feuerstein), The Big Show assure en gentil géant naïf et maladroit et nous fait passer un moment pas désagréable. Car au fond, « Krunk
out » est un film à l’image du catch : un peu lourd, familial et qui n’a d’autre but que de divertir. En la matière, il atteint ses objectifs. Ce qui n’est déjà pas si
mal.
« Les hommes ne regardent jamais assez à l’intérieur du sexe des femmes »
Tous les chemins mènent au cinéma. Pour preuve le parcours atypique de Bertrand Bonello : venu de la musique classique, ce musicien professionnel (qui travailla
notamment avec De Palmas et Françoise Hardy) délaissa peu à peu ses partitions pour les troquer contre une caméra au cours des années 90. Une quinzaine
d’années plus tard, le voilà devenu un cinéaste reconnu et complexe, dont l’œuvre est marquée par un questionnement sur les mystères du désir, de la sexualité et de son industrie. Après
nous avoir conduit dans le milieu des films pornographiques (« Le pornographe »), dresser le portrait d’un transsexuel (« Tiresia ») et être parti en quête d’hédonisme (« De
la guerre »), il nous invite à « L’Apollonide », une maison close parisienne de la fin du 19e siècle.
Objet de fascination et de fantasmes tout au long du 19e siècle, la maison close inspira de nombreux artistes de l’époque, qu’ils soient écrivains
(Baudelaire, Maupassant) ou peintres (Toulouse-Lautrec, Picasso, Degas, Ingres). A sa manière, Bonello fait revivre entre les murs de l’Apollonide une
certaine époque, une certaine ambiance fantasmée faite de lascivité et de sensualité, dans des décors surannés tout en tentures, en velours et en soie. Tel un tableau. Ce n’est ainsi pas
un hasard si les clients qu’il imagine dans cette maison sont pour la plupart des réalisateurs (Xavier Beauvois, Jacques Nolot, Louis-Do de Lencquesaing). Mais très vite,
l’apparence ouatée et hors du temps des lieux se transforme. Le lupanar que nous présente Bonello est définitivement dépourvu de luxe, de calme et de volupté. En nous peignant leur
quotidien telle une chronique (lavages après rapports, maladies, clients sans scrupules aux fantasmes tordus), l’Apollonide devient un lieu étouffant et glauque. Une prison de laquelle ne
peuvent s’échapper des filles qui n’ont de joie que le nom. Un lieu où la chair est froide, totalement dépourvue de sensualité, et constamment traversée par des éclairs de mort. On
pourra toujours reprocher à Bonello une vision trop parcellaire ou idyllique de la situation (parfaite entente entre les filles, mère maquerelle plutôt sympa et compréhensive, absence totale de
référence aux maffias qui faisaient prospérer ce commerce, vision trop parcellaire des violences faites aux femmes…). Mais l’essentiel du film est ailleurs, quelque part entre un
esthétisme raffiné poussé à l’extrême et une ambiance ambivalente, à la fois aérienne et pesante comme une chape de plomb, qui marque l’esprit encore longtemps après le générique de fin.
« Depuis quand a-t-on cessé d’être un couple ? »
Il y a deux ans, les scénaristes John Requa et Glen Ficara (scénaristes notamment de
l’excellent « Bad santa ») passaient à la réalisation avec « I love you Philip Morris », une comédie ubuesque franchement dingue inspiré d’une
histoire réelle. Une première remarquée, qui sortait des sentiers battus du cinéma US en flirtant avec le politiquement incorrect. De quoi effrayer les producteurs US,
conservateurs et frileux, au point que le film ne devait voir le jour qu’à la faveur de l’engagement de Luc Besson. On attendait donc leur second long avec impatience. Les revoilà donc
aux commandes de « Stupid Crazy love » dont ils n’assurent que la réalisation, le scénario était l’œuvre de Dan Fogelman, ancien scénariste de chez
Disney qui a notamment signé les scénarios de « Cars », « Volt » ou encore « Raiponce ».
Genre phare de la production cinématographique US, la comédie romantique peine à se renouveler
et à nous surprendre. On comptait donc sur le punch et le côté irrévérencieux de nos deux compères pour mettre un coup de pied dans l’ordre établi et apporter un peu de fraicheur à ce genre qui
tourne si souvent en rond. Une mission a priori à leur portée d’autant qu’ils pouvaient compter sur un casting quatre étoiles regroupant notamment Steve Carell,
Julianne Moore ou encore les très prometteurs Ryan Gosling et Emma Stone. Pour tout dire, le film partait plutôt bien. En abordant des
thèmes délicats (la crise du couple, celle de la quarantaine), d’un point de vue original (ici c’est la femme qui est touchée par la crise), le début était même assez
plaisant. On était ainsi plutôt conquis par le mutisme désabusé de Steve Carell et sa reprise en main façon « Pretty woman » par le jeune playboy
arrogant interprété par un Ryan Gosling surprenant d’autodérision. Un amusant quiproquo avec l’excellente Marisa Tomei plus tard, le film basculait alors dans sa seconde
partie, se faisant alors plus grave : le don juan patenté tombe amoureux et se range des voitures tandis que le héros manque l’occasion de retrouver sa femme. Trainant un
peu la patte, le film amorce alors un virage à 180 degrés, virant même au ridicule le temps d’une improbable (et hallucinante) scène de retrouvailles générales. Complètement en roue libre, le
film sombre dans les bons sentiments démonstratifs, le mélo bas de gamme le tout saupoudré de la bonne vieille morale puritaine américaine (le sexe étant forcément lié à certaine idée de
culpabilité, le tombeur tombant amoureux de la seule fille qui ne couche pas ; le personnage principal nous rappelant que le mariage c’est pour la vie), au point de devenir
embarrassant. Les réalisateurs auraient voulu saborder leur film ou se tirer une balle dans le pied qu’ils n’auraient pu faire mieux. Vraie déception donc pour ce film qui partait bien et dont on
attendait beaucoup plus et beaucoup mieux.
« Ne vous inquiétez pas : en vous confiant cette charge, Dieu vous offre son soutien pour mener votre mission à bien »
« Vous préférez miser sur des cartes alors que des centaines de braves gens ont misé leur vie sur vous ? »
Spécialiste toutes catégories du western, le prolifique John Ford consacre la fin des années 40 à la réalisation de sa trilogie dite de la cavalerie. Un chantier de
longue haleine, qui comprend « Le massacre de Fort Apache » (1948), « La charge héroïque » (1949) et « Rio Grande » (1950). Des
films âpres entre lesquels il réalise des films plus légers. Intercalés entre les deux derniers épisodes de sa trilogie, il réalise successivement « Planqué malgré
lui » et « Le convoi des braves ». Écrit avec son fils et son scénariste attitré, ce dernier lui permet de retrouver ses acteurs fétiches (à l'exception notable de
John Wayne) qui l'ont accompagné sur sa trilogie pour un projet a priori plus divertissant. Autour de l'indéboulonnable Ward Bond, il donne les rôles principaux aux deux
jeunes de la bande, jusqu'ici cantonnés aux seconds rôles: Ben Johnson, un ancien cascadeur qui obtiendra plus tard un Oscar pour son rôle dans la « Dernière séance »
de Bogdanovic, et Harry Carey Jr., fils d'une star du muet qui fut un grand ami de Ford. 
Après la rugosité de sa trilogie de la cavalerie, Ford s'offre une petite recréation avec
ce « Convoi des braves », qui, en dépit d'une scène d'ouverture qui se conclut par un meurtre, adopte vite une tonalité assez légère. A l'image du gag du sifflet
qui rend fou le cheval du shérif qui se retrouve ainsi désarçonné. Très vite on craint même le pire quand le film nous présente ses jeunes héros tels de grands adolescents droits
dans leurs bottes, qui ne fument et ne boivent pas, et qui prennent à cœur de guider à bon port le convoi de gentils pionniers mormons. Mais le cinéma de John Ford n'a jamais laissé la
place à la niaiserie, pas plus qu'à la morale bien pensante. En bon routier du genre, il attend ainsi de perdre sa caravane dans le désert pour faire apparaitre les obstacles et faire monter la
tension. Celle-ci viendra d'une bande de hors la loi qui prendra en otage le convoi pour mieux échapper à la traque du shérif. Le dénouement, d'une belle efficacité, tiendra
toutes ses promesses. Mais c'est surtout par son discours que le film demeure marquant. En présentant le véritable danger comme venant de l'homme blanc, cupide et vil, et non de l'indien, ici
plutôt pacifique, Ford prend tout son petit monde à contre pied. Et se révèle d'une incroyable modernité pour l'époque. 
« Je voulais être comme Xénia, une princesse guerrière. Maintenant je veux devenir une tueuse. »
Fut un temps pas si lointain où Luc Besson enchainait les succès et trustait sur son seul nom
tout le box-office français. Malheureusement pour lui, sa réussite semble s’être un peu essoufflée au gré des années 2000 et de ses pérégrinations tantôt décevantes (la
saga des « Arthur et les Minimoys »), tantôt incompréhensibles (« Angel-A »). Aussi, si le réalisateur ne fait plus autant recette
que par le passé, le producteur, lui, n’a pas perdu le sens des affaires et a trouvé un juteux filon. A la tête de sa société EuropaCorp, il produit ainsi des films d’action à la chaine, souvent
bourrins mais divertissants, agrémentés de la présence d’une vedette américaine qui lui garantit une belle carrière à l’international. Après Jason Statham (« Le
transporteur »), Liam Neeson (« Taken ») ou encore John Travolta (« From Paris with love »), au tour de Zoe
Saldana, la princesse Na’vi de « Avatar », de venir cachetonner dans ce « Colombiana », dernier né des productions Besson dont
la réalisation est assurée par Olivier Mégaton, un habitué d’EuropaCorp pour qui il a notamment réalisé « Le transporteur 3 ».
La recette est donc connue. Et elle a le mérite de fonctionner. Du coup, pas question pour
Olivier Mégaton de tenter la moindre innovation, ce dernier préférant rester scolairement dans les clous. La seule originalité du film sera donc d’avoir confié le rôle principal
de tueur infaillible à une femme. Mais là encore, l’ombre du « Nikita » réalisé par le boss quelques vingt ans plus tôt plane lourdement sur le film. D’autant
que celui-ci peine à tenir la comparaison, scénaristiquement comme artistiquement. Au fond, que cette histoire de vengeance soit extrêmement clichée n’a pas tellement d’importance, le réalisateur
assumant totalement le côté bourrin de son film. Mais là où il se plante gravement, c’est lorsqu’il tente d’y insérer des bribes de psychologie (la souffrance de l’oncle qui a perdu un
fils et qui tente de canaliser la haine de sa nièce, la relation amoureuse que celle-ci entretien avec un peintre, histoire de lui donner une sensibilité et une vulnérabilité qui contraste avec
sa profession), qui virent souvent au ridicule. Restent les scènes d’action pure qui, bien qu’improbables, demeurent très efficaces. Au milieu de tout cela, la maigrichonne
Zoe Saldana surnage tout en paraissant bien frêle pour ce rôle de tueuse, tandis que Cliff Curtis et Michael Vartan (dans un rôle un peu sans
intérêt) cachetonnent grossièrement. Pas foncièrement désagréable, « Colombiana » assure sa partition de divertissement décérébré. Mais souffre quand même d’une large
impression de déjà-vu (en mieux).
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Aussi terrible et meurtrière fut-elle, la première guerre mondiale devait révolutionner la façon de faire la guerre
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