Mardi 27 décembre 2011
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« Non seulement ma vie est foutue mais en plus j’ai mal aux
couilles ! »
Après des années de supplices, l’heure de la fin du lycée a enfin sonné. Will, Simon, Jay et Neil sont désormais majeurs.
Pour fêter la fin de cette époque désormais révolue, ils décident de partir en vacances tous les quatre.
Direction la Grèce et plus précisément la Crète où le séjour de nos quatre héros sera placé sous un objectif : du sexe, de l’alcool, du fun et encore du sexe !
« En vacances, on n’est jamais trop bourré »
En France, on connaissait déjà « Les beaux
gosses », ados attardés fortement travaillés par leurs hormones. Voici que débarquent sur nos écrans « Les boloss », leurs cousins pas si éloignés
d’Outre-Manche. Fort du succès de leur série, « Inbetweenners », les quatre garçons pas du tout dans le vent se voient offrir l’occasion de prolonger leurs aventures sur le
grand écran. Le tout sous la direction de Ben Palmer, réalisateur jusqu’ici de nombreux épisodes de la série, qui réalise ici son premier long pour le cinéma.
« Vous êtes les seuls mecs d’ici à ne pas nous traiter de garages à bites, c’est déjà ça ! »
L’adaptation d’une série télé à succès sur grand écran est un
exercice des plus périlleux. Les changements de longueur, de rythme, de format sont autant de difficultés qui font que neuf tentatives sur dix se soldent par un échec total (voir au
hasard les adaptations ciné de « Sex and the city », « Ma sorcière bien aimée », « Shérif fait moi peur ! » et autres
« X-Files »). Visiblement, ces « Boloss » n’échappent pas à la règle. Et ce d’autant plus que la série étant inédite chez nous, le spectateur évolue
en terrain inconnu, sans repères aucun quant aux personnages et à l’ambiance générale. Toutefois, il n’est pas difficile de voir que le réalisateur surfe ici sur la vague des
teen comedy trash, s’inspirant fortement de « American pie », transposé à la sauce british. Si le film s’avère de fait plus politiquement incorrect
(gags sur les handicapés ou les étrangers), les personnages se font vraiment trop crétins pour être crédibles et le film, évoluant en roue libre, peine à trouver son rythme, enchainant
les gags scatos à la vitesse grand V (soit du vomi à la pelle et du caca dans le bidet et dans le nez) sans pour autant renouveler un temps soit peu le genre. Si l’absurdité ou
le jusqu’au-boutisme de certains gags finissent par nous arracher un sourire (le numéro de danse des quatre loustics vaut son pesant de cacahuètes), le film ne parvient à nous
intéresser que durant son dernier tiers, lorsque nos héros se rapprochent d’un groupe de filles plus évoluées et normales qu’ils ne le sont. Autant dire qu’on attandait mieux de
ces « Boloss » que ce ramassis d’humour lourdingue et déjà vu.
Par Platinoch
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Publié dans : Comédies
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« Lorsqu’un cimmérien a soif, c’est de sang »
Il a beau être jeune, beau et fort, en pleine possession de ses moyens,
Conan n’est pourtant pas un perdreau de l’année. Né en 1932 de la plume de Robert E. Howard, considéré par beaucoup comme l’un des pères de l’heroïc fantasy, il voit ses
aventures paraitre pendant plusieurs années sous forme de nouvelles. Tombé dans l’oubli, jusqu’à ce que le personnage soit pastiché (petite cervelle et muscles hypertrophiés) avec succès par
l’auteur Lyon Sprague de Camp. Renouant avec le succès, le personnage voit ses aventures adaptées dès les années 70 sous forme de comics par Marvel. Il faudra attendre
1982 et « Conan le barbare » de John Milius pour voir le célèbre barbare débarquer au cinéma sous les traits d’Arnold Schwarzenegger. Reprise par le réalisateur Richard
Fleischer, spécialiste du cinéma d’aventures (« Les vikings », « Soleil vert », « Barrabas »), la franchise connaitra deux films supplémentaires : «
Conan le destructeur » (1984) et « Kalidor » (1985). Depuis lors, les rumeurs d’un retour des aventures de Conan au cinéma se sont multipliées. Les noms de
Oliver Stone, Robert Rodriguez ou encore Brett Rattner ont ainsi souvent été associés au projet, sans que celui-ci n’aboutisse jamais.
Finalement, le film se concrétisera sous la direction du réalisateur allemand Marcus Nispel, qui s’offre un nouveau remake après avoir signé ceux de « Vendredi 13 » et «
Massacre à la tronçonneuse ».
Tout le monde ne s’en souvient peut-être pas, mais les 80’s virent un bref
engouement pour l’Heroïc Fantasy. Sans doute le succès de « Star Wars » n’y fut pas étranger. Toujours est-il que les films plus ou moins réussis, comme « L’histoire sans
fin », « Legend », « Ladyhawke » ou « Willow », se sont succédés sur les écrans. C’est dans ce contexte que la saga « Conan » débarqua sur les
écrans. Et de mémoire, la musculature excessive de Schwarzy, son slip en peau de bête, son collier en corne et son épée nous avait laissé le souvenir un peu too much, pour ne pas dire
furieusement kitsch. De ce fait, à moins de vouloir réveiller une certaine nostalgie chez les cinéphiles de plus de trente ans, l’idée de remettre le héros au goût du jour ne semblait pas d’une
pertinence folle. En bon tâcheron spécialiste du remake, Nispel puise dans ses références (le générique introductif sur la genèse du masque tout droit tiré du «
Seigneur des anneaux », la tentative désespérée du gamin pour sauver son père façon « Il était une fois dans l’ouest ») pour étoffer son récit et lui donner des allures
de grand film. Malheureusement, ces clins d’œil ne parviennent jamais à masquer l’absence d’un scénario digne de ce nom, à même de transcender cette banale histoire de vengeance et de
libération, peuplée de personnages très stéréotypés (la sorcière démoniaque, le méchant roi, la nymphette à protéger qui sert de faire-valoir sexy, le voleur dont les talents de
crocheteurs de serrures serviront au héros). Car d’une manière assez générale, le gros défaut de ce « Conan », c’est son absence de souffle épique, renforcée par un
niveau général d’interprétation pas toujours convaincant. Reste des scènes de combat plutôt réussies (avec les hommes sable ou encore le combat final sur la roue qui dévisse le
long du précipice), qui font de ce « Conan » un nanar regardable à défaut d’inoubliable.
« J’ai vu ton frère quand tu as chanté : tu as fait pleurer un
homme »
Certaines choses paraissent prédestinées. Inéluctables. Avec un
nom pareil, l’artiste plasticien Steve McQueen devait inévitablement faire tôt ou tard du cinéma. Toutefois, à la différence de son illustre homonyme, c’est derrière la caméra qu’il
trouvera sa place. Avec « Hunger », film coup de poing sur le sacrifice de Bobby Sands et des prisonniers politiques de l’IRA, lancés dans une tragique grève
de la faim pour faire entendre leur voix à un pouvoir anglais trop prompt à imposer la sienne, il fera une entrée remarquée, saluée en grande pompe par la critique. Après ce premier essai
éprouvant, McQueen pensait ne pas avoir les épaules pour renouveler l’expérience. Il nous revient pourtant trois ans plus tard avec « Shame », son deuxième long métrage,
traitant là encore d’un sujet tabou : l’addiction au sexe. Présenté en compétition à la Mostra de Venise, « Shame » a été récompensé de la Coupe Volpi du meilleur
acteur pour Michael Fassbender. Le réalisateur et son acteur fétiche devraient se retrouver pour la troisième fois sur le prochain projet de McQueen, « Twelve
years a slave », au générique duquel devrait également apparaître Brad Pitt.
Le moins que l’on puisse dire c’est que Steve McQueen a le goût
des sujets difficiles. Après avoir abordé dans « Hunger » le sacrifice des militants emprisonnés de l’IRA, il s’attaque avec « Shame » à l’addiction
sexuelle. Deux sujets a priori diamétralement opposés. Pourtant, aussi surprenant que cela puisse paraître, les deux films ont étrangement beaucoup de similitudes. Notamment dans
le choix de ces personnages extrêmes, jusqu’au-boutistes, dont McQueen prend un mal(sa)in plaisir à filmer l’agonie jusqu’à leur inéluctable chute. A ceci près que si Bobby
Sands apparaissait comme un personnage christique dans son combat et sa souffrance, Brandon semble animé par des forces plus sombres. Handicapé du sentiment, incapable d’aimer ou de
s’attacher à qui que ce soit, Brandon passe son mal de vivre et sa souffrance dans la consommation compulsive de sexe. Un plaisir immédiat aussi basique que sordide, sans tendresse ni
partage. Le sujet était sulfureux et appelait certainement à une approche quelque peu psychologique du personnage. Malheureusement, il n’en est rien, McQueen se bornant à nous faire un film
d’ambiance, triste comme la pluie et lent comme la mort, dans lequel la chair nue apparaît dans tout ce qu’elle a de plus sordide. A l’image de son personnage principal dont il dresse un
portrait détestable et auquel on ne parvient de fait jamais à s’attacher, pas plus qu’à sa sœur. S’appuyant sur son sens du cadre (voir la scène d’ouverture) et de
l’esthétisme (la scène de la chanson dans le bar), McQueen essaye en vain de combler par la forme l’absence totale de fond de son film, qui s’achève dans une mais
inutile scène à la symbolique lourdingue où se côtoient une orgie de sexe et un bain de sang. 100 minutes plus tard, on se dit que McQueen a beau avoir de réels talents de plasticiens, il
lui manque quand même une chose primordiale qui s’appelle l’inspiration. Car peu importe qu’il filme son héros en train d’étaler sa merde sur les murs ou de répandre son foutre, ses films ne
suscitent rien d’autre – pas même le malaise – qu’un ennui et un agacement profonds.
« En matière d’amour, je suis pour le partage des richesses »
Formé à la prestigieuse FEMIS, Emmanuel Mouret avait eu l’honneur
de voir son film de fin d’études – « Promène-toi donc tout nu ! » - bénéficier d’une sortie en salles. Un privilège rare, qui lançait de la meilleure façon sa carrière de
réalisateur débutant. Depuis, Mouret en parcouru du chemin, réalisant six longs, pour certains présentés à Cannes. Six longs métrages par lesquels il aura su imposer sa petite
musique singulière. Mélange d’influences aussi variées que Sacha Guitry, Eric Rohmer ou Woody Allen, le style Mouret, résolument littéraire et écrit, demeure sans égal dans le panorama
cinématographique français actuel. Après son charmant « Fais-moi plaisir », largement influencé par le cinéma de Blake Edwards, il nous revient avec un film
choral au casting prestigieux : « L’art d’aimer ».
De l’amour, de l’amour encore et toujours. Telle pourrait être la devise
d’Emmanuel Mouret qui n’en finit plus de film en film d’explorer la carte du tendre. A l’inverse de Sun Tzu qui nous enseignait « L’art de la guerre »,
Mouret, lui, nous initie (une nouvelle fois) à « L’art d’aimer ». Selon le cinéaste, il s’agit d’un art en soi puisque a priori accessible à chacun sans pour autant
qu’il y ait en la matière de « recette » universelle. Ainsi il n’y a pas une seule façon d’aimer, mais une multitude de façons de faire, chacun agissant selon son propre ressenti.
Variation légère sur l’amour et le désir (thèmes centraux de l’œuvre de Mouret), « L’art d’aimer » explore différents comportements amoureux au travers d’histoires et de couples
différents. Malheureusement, par manque d’imagination de l’auteur, tous issus d’un même microcosme parisien privilégié (tous sont libraires dans les beaux quartiers, habitant de
magnifique et immenses appartements). Si certaines saynètes se révèlent aussi drôles que réussies (le trio Godrèche/Depardieu/Stocker, le couple
Cluzet/Bel, voire le segment Ulliel/Navarre/Mouret), l’ensemble – et c’est là l’une des grandes faiblesses du film à sketchs – se révèle extrêmement
inégal, la plupart des autres saynètes s’avérant dans l’ensemble assez fades. Sauvé pour l’essentiel par quelques dialogues biens huilés et par le jeu de ses comédiens (mention spéciale
aux toujours géniales Julie Depardieu et Pascale Arbillot), « L’art d’aimer » est un Mouret en mode mineur. Inégal et parfois un peu décevant,
il n’en demeure pas moins agréable pour autant.
« Je resterai le temps qu’il faudra »
Pour toute une génération, le nom de Luc Besson reste associé aux années
80. A l'époque le tout jeune cinéaste fait souffler un vent de fraicheur sur le cinéma français en réalisant des films d'action modernes, à l'efficacité américaine, qui envoient aux oubliettes le
cinéma de papa. Tout le monde se souvient de « Subway », de « Nikita » ou de « Léon ». Et puis à force d'être considéré comme un petit génie, Besson a
pris le melon et s'est mis à faire des rêves de grandeur démesurés. Rêvant d'Amérique, il partit donc à Hollywood, réaliser quelques gros films qui ne rencontreront pas le succès
escomptés (le très bon « Cinquième élément », le moins bon « Jeanne d'Arc »). Laissant finalement à d'autres tacherons le soin de réaliser des films d'action nanaresques à la
chaîne via sa société de production (la saga des « Taxi », du « Transporteur » et autres « Banlieue 13 »), Besson prit tout le monde à revers durant les années
2000 en s'essayant à des genres où on ne l'attendait pas. Mais force est de constater que de « Angel-A » à la saga des « Minimoys », le cinéaste semble avoir perdu son
inspiration et son mordant. Enchainant les films avec une boulimie rare (4 films en deux ans), il nous revient cette fois avec « The lady », consacré à l'opposante birmane et
Prix Nobel de la Paix Aung San Suu Kyi. Un projet initialement porté par l’actrice malaisienne Michelle Yeoh, qui a proposé à Besson de le réaliser.
Même s’il s’était déjà un peu frotté à l’exercice avec son « Jeanne d’Arc
», Besson aux commandes d’une biographie politique, cela pouvait surprendre. Et ce d’autant plus s’agissant d’un biopic consacré à Aung San Suu Kyi. Mondialement reconnue pour ses
engagements pacifiques, « l’Orchidée d’acier », condamnée à vivre en résidence surveillée depuis plus de vingt ans par la junte birmane, est devenue l’une des figures mondiales de la lutte pour
la liberté et la démocratie. A l’image de ses pairs Gandhi (immortalisé au cinéma par Attenborough) ou Mandela (dont la vie et le combat ont
inspiré de nombreux films comme « Invictus », « Goodbye Bafana » ou « Mandela and De Klerk »), cette femme de convictions méritait qu’on lui consacre un film. A
elle et à son combat. Malheureusement, Besson oublie un peu ce dernier jusqu’à se focaliser presque exclusivement sur la séparation forcée d’avec son mari et ses enfants. Filmant ainsi
l’absence, la solitude, les combats menés depuis Londres et le monde libre par un mari dévoué, le film vire trop souvent au mélo, trouvant son point d’orgue dans la (très) longue agonie
de celui-ci, privé jusqu’au bout de voir sa femme. Parfois caricatural (lorsqu’il présente les militaires au pouvoir), (trop) souvent elliptique (rien
sur le pourquoi des révoltes étudiantes de 1988 ou de celle des bonzes en 2007, qui arrivent comme des cheveux sur la soupe), le film de Besson souffre surtout d’une vision trop réduite
du combat politique de Aung San Suu Kyi, qui se résume ici à un meeting public et une tournée en province. Toutefois s’il manque d’une manière générale d’un peu de souffle épique, « The
lady » réserve tout de même quelques jolis moments, à l’image de la scène où l’héroïne joue du piano en même temps que le concert qui lui est dédié par l’académie Nobel à la radio.
On en retiendra aussi la belle prestation de Michelle Yeoh, dont la ressemblance physique avec Aung San Suu Kyi est des plus impressionnantes. Un peu léger par rapport à la gravité du
combat qu’il narre, « The Lady », qui n’en demeure pas moins un film acceptable, a au moins le mérite de médiatiser un peu le combat toujours en cours de Aung San Suu Kyi. C’est déjà
ça.
« Ce procès en fera beaucoup plus pour maintenir la paix que n’importe quel bout
de papier »
On savait que la multiplication des sorties en salles chaque semaine empêchaient
la plupart des films de trouver leur public: à peine sortis, ils quittent déjà les écrans pour faire de la place à d'autres. Désormais, la saturation est telle (certaines
semaines, pas moins de 15 films sortent!) que de nombreux films sont privés de sorties en salles et sortent directement en DVD. Le plus étonnant, c'est qu'on trouve parmi eux de nombreux
films valables, dotés de réalisateurs ou de castings prestigieux, qui auraient largement mérités d'être exploités dans nos salles. A l'image de « La conspiration », le
nouveau film réalisé par Robert Redford (rappelons tout de même qu'il a obtenu l'Oscar du meilleur réalisateur pour « Des gens comme les autres »), qui
s'appuie sur un casting de première bourre (James McAvoy, Robin Wright-Penn, Evan Rachel Wood, Kevin Kline, Tom Wilkinson...).
Qu'il s'agisse du choix de ses rôles (« Les hommes du
Président », « Les trois jours du Condor », « Nos plus belles années », « Brubaker », « Votez McKay! ») ou de ses prises de position publiques,
Robert Redford a toujours été considéré comme un artiste engagé et humaniste. Avec son ami Paul Newman, ils ont ainsi longtemps incarné la conscience morale
d'Hollywood. Pas étonnant donc de voir le Robert Redford réalisateur s'attaquer à des sujets politiques à la fois sensibles et polémiques (« Lions et agneaux
»). Avec « La conspiration », il revient sur l'affaire de l'assassinat du président Abraham Lincoln et plus précisément sur le procès des comploteurs qui s'en est suivi.
Premier président de l'histoire des Etats-Unis à être assassiné dans l'exercice de ses fonctions, Lincoln a ainsi acquis une certaine aura posthume, devenant de fait pour de nombreux
américains une sorte d'icône mythique, de figure tutélaire de la nation. Difficile dans ces conditions de traiter d'un sujet sous l'angle de la contestation. Car c'est bien connu, on ne
touche pas aux mythes. Prenant parti pour Mary Surratt, seule femme jugée et condamnée lors de ce procès en dépit d’une implication secondaire dans le complot, Redford charge violement
contre ce procès qu’il considère injuste et s’interroge sur le fondement démocratique des Etats-Unis : une démocratie peut-elle se construire sur l’injustice et le sang ? Dénonçant tour
à tour la partialité des juges (et leur manque d’indépendance), la cruauté des châtiments (traitement des accusés qui s’apparente à de la torture), ou encore l’hypocrisie des dirigeants qui
voulaient par ce procès réglé à l’avance réaffirmer la puissance de l’Etat et de la démocratie et rétablir l’ordre dans un pays loin d’être pacifié. L’Amérique ne sort pas grandie de ce
portrait, d’autant plus que la comparaison avec les pratiques encore tolérées par l’administration Bush dans sa guerre contre le terrorisme semble assez évidente. Mais avec son idéalisme
légendaire, il conclut son film en rappelant l’importance d’avoir une presse libre et indépendante, seule à même de contrebalancer le pouvoir aux mains des politiques. Derrière son film
historique, Redford signe un là un grand film politique et un vibrant plaidoyer pour la justice et la démocratie.
« Vous n’êtes pas ici en pays conquis »
Jeune premier prometteur au début des années 90, Mathieu Kassowitz ne tarda pas à
céder à la tentation en passant derrière la caméra. D’abord avec « Métisse » puis, surtout, avec « La haine », il accéda à la reconnaissance du public, de la
critique et de ses pairs, qui vit en lui un jeune réalisateur surdoué et en phase avec la jeunesse de l’époque. Une fois digéré l’échec de « Assassin(s) » et le succès des «
Rivières pourpres », la carrière américaine s’ouvrit à lui presque naturellement. Malheureusement, tout ne se passa pas là-bas comme il l’espérait et deux énormes ratages plus tard – «
Gothika » et « Babylon A.D. », Kassowitz mit un terme à son rêve américain. De retour chez nous, le bonhomme s’est fait un peu attendre. Mais le voilà, plus de dix ans
après sa dernière réalisation française, qui nous revient avec « L’ordre et la morale ». Adapté des récits du Capitaine Legorgus, ex-chef du GIGN, le film revient sur les dramatiques
évènements de la grotte d’Ouvéa, intervenus en Nouvelle-Calédonie en 1988. Considéré par ses détracteurs comme l’une des dernières résurgences de la politique coloniale française,
le sujet semble encore un peu tabou de nos jours. Au point que le réalisateur ait mis dix ans à trouver les financements nécessaires pour monter son film, dont la sortie a été interdite
en Nouvelle-Calédonie, par peur de raviver certaines tensions.
L’ordre et la morale. Deux concepts par nature opposés qui résument assez la
dualité de toute décision politico-militaire. Jusqu’où peut-on aller pour rétablir l’ordre ? A partir de quand une action devient elle injuste et donc illégitime ? Est-il légitime dès
lors d’obéir aux ordres si ceux-ci apparaissent comme injustes ? Voilà en substance le débat ouvert par le nouveau film de Kassowitz. Fort de ses sorties médiatiques et de ses prises de
positions libertaires, il exhume ici le drame de la grotte d’Ouvéa en prenant le parti de jouer les redresseurs de tort sur un sujet déjà à la base bien polémique. En clair, selon le
réalisateur, le drame aurait pu être évité s’il n’avait pas lui-même été instrumentalisé par nos dirigeants, alors enivrés par l’effervescence de l’entre-deux tours de la présidentielle de 1988,
voyant là une occasion inespérée de faire preuve d’une fermeté à même de rassurer l’opinion. La description que nous fait Kassowitz de cette partie de poker menteur opposant à distance
l’Elysée et le gouvernement (via son représentant sur place, le ministre Bernard Pons) se révèle être d’ailleurs la partie la plus intéressante du film. Pour le reste, on regrette pleinement
qu’il aborde ce sujet déjà grave et complexe avec une rare malhonnêteté intellectuelle. Faisant preuve d’un hallucinant manichéisme lorsqu’il présente les insurgés Kanaks comme de bons
pères de famille bienveillants dépassés par les évènements, le cinéaste fausse totalement les débats. De même lorsqu’il omet de remettre cet évènement dans le contexte
néo-calédonien des années 80 (quid de la vague de pillages à la base des tensions ? De l’attaque des forces françaises contre les frères Djibaou ? Du référendum Pons de 87 où les néo-calédoniens
ont rejeté à la quasi unanimité l’indépendance ?). Après, chacun aura son idée propre sur la question. Mathieu Kassowitz semble minimiser pour sa part de façon grotesque l’attaque de la
gendarmerie de Fayaoué et l’assassinat inutile de cinq gendarmes, désarmés de surcroit. De même qu’il minimise le refus répété des insurgés de libérer les otages et de se rendre alors
même qu’ils sont définitivement lâchés par le FLNKS, qui ne les jamais véritablement soutenus. Ce que Kassowitz oublie de dire aussi, c’est que contrairement aux populations
indigènes de nos anciennes colonies, les néo-calédoniens ont le droit de vote, des représentants élus dans les instances nationales, le même accès que les métropolitains aux prestations sociales
et aux services publics, et que de ce fait ils sont soumis aux mêmes droits et devoirs que tout autre français. Ce qui rend cette attaque meurtrière forcément illégitime. Dès lors,
quelques soient les qualités (les magnifiques décors mélanésiens, l’interprétation des acteurs) ou les défauts du film (les références disproportionnées à «
Apocalypse now » pour traiter d’un évènement de bien moindre ampleur, une narration trop factuelle et trop linéaire), plus rien n’y fait. Il n’est plus possible d’adhérer à la
réflexion dès lors que l’équité de ce qui s’apparente à un procès à charge n’est plus respectée. Grosse déception.
« Faire fausse route ? C’est un comble pour un ministre des transports !
»
Pendant longtemps, les films consacrés à la politique furent l’apanage du seul
cinéma américain. Dès les années 30, Capra (« Mr. Smith au Sénat »), Ford (« La dernière fanfare ») et d’autres (« Votez McKay
! »), ont ainsi pris un malin plaisir à nous décrire les coulisses de la vie politique américaine. A partir des années 70, ce devint même plus virulent, s’attaquant ouvertement et
frontalement aux dérives du système politique local et aux hommes en place. A l’image des films de Pakula (« Les hommes du président ») ou de
Stone (« JFK », « Nixon »). A l’inverse, en France, le sujet sembla tabou durant de nombreuses décennies. Certes, il y avait bien une poignée
de réalisateurs comme Costa Gavras pour dénoncer les régimes fascisants étrangers. Mais jamais rien sur la France. Il aura finalement fallu attendre les années 2000 pour
voir les cinéastes s’intéresser à ce sujet. Les films se sont ainsi multipliés, alternant le bon (« Le candidat ») et le moins bon (« Président »), allant même jusqu’à
traiter de présidents anciens (« Le promeneur du Champs de Mars ») ou de l’actuel occupant de l’Elysée (« La conquête »). Auteur de débuts remarqués il y a trois ans
avec « Versailles », dans lequel il évoquait la vie des marginaux vivant à l’ombre du pouvoir et de l’opulence, Pierre Schoeller nous revient avec « L’exercice de l’Etat », film
consacré au quotidien d’un ministre en fonction. Récompensé du Prix de la critique internationale à Cannes, « L’exercice de l’Etat » est le deuxième volet d’une trilogie consacrée au(x)
pouvoir(s) et dont le troisième volet devrait être consacré à la Révolution Française.
Pour beaucoup le pouvoir et l’autorité sont incarnés (à tort ?) par le Président
de la République. Au sommet du système politique national, celui-ci ferait presque oublier les membres de son gouvernement. Le choix du réalisateur de suivre le quotidien d’un
ministre « ordinaire » (c'est-à-dire pas le plus médiatisé ni le plus en vue), en l’occurrence celui des transports, n’en rendait son film que plus surprenant et
intrigant. Sans occulter l’aspect bureaucratique de la chose politique, le réalisateur s’efforce de montrer un homme toujours en action et dans l’action. Qu’il débarque
en pleine nuit sur les lieux d’une catastrophe routière ou qu’il brave les syndicats afin de vendre l’action gouvernementale, le ministre est un homme définitivement pressé, pressurisé et
constamment sur la route. Mais là où le film de Schoeller se fait passionnant, c’est quand il nous montre les coulisses du pouvoir : la rivalité entres les ministres/courtisans, les
coups bas, les stratégies électorales, les compromissions morales (lorsque le ministre accepte de défendre une réforme à laquelle il est intérieurement opposé)... Bien qu’étant en
permanence entouré de gens, de conseillers aux dents longues ou de journalistes, le ministre est avant tout un homme seul. Le film de Schoeller sonne ainsi étonnement juste et vrai, malgré
quelques longueurs inutiles mais sans conséquences (la longue scène de la beuverie). Sa réflexion sur la politique et les hommes qui la pratiquent, tiraillés entre convictions
personnelles et carrières personnelles, est tout autant pertinente. Au final, le portrait dressé de nos chers politiciens est tantôt fascinant tantôt effrayant (lorsque le ministre
évacue toute émotion aux funérailles de son chauffeur, l’abordant comme un évènement politique et médiatique), au point de se dire que ces hommes-là ne sont pas comme nous. Ils demeurent
des animaux politiques, évoluant dans un monde brutal où intérêts général et personnel se confondent et où tous les coups sont permis. Passionnant et terrifiant.
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