Jeudi 31 mai 2012
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« C’est une mission de sauvetage. Vous devez le retrouver. Pas le
molester»
.
Sur une île au large de la Nouvelle-Angleterre, au cœur de l’été 1965, Suzy et Sam, douze ans, tombent amoureux.
Après avoir conclu un pacte secret, ils décident de s’enfuir ensemble.
Alors que chacun se mobilise pour les retrouver, une violente tempête s’approche des côtes et va bouleverser davantage encore la vie de la communauté.
« Je vole des livres juste pour avoir un secret »
.
Voilà déjà quinze ans que Wes Anderson fait entendre sa petite musique à part au
sein de la production cinématographique US, créant de film en film des univers colorés (« A bord du Darjeeling Limited »), décalés (« La vie aquatique »),
souvent absurdes et parfois poétiques. Avec toujours le même attrait pour les questions liées à la famille, à la filiation et à l’enfance. Après un détour par le film d’animation (le très réussi
« Fantastic Mr. Fox »), il nous revient avec « Moonrise Kingdom », une histoire d’amour adolescente sur fond de camp scout et d’île perdue. Sélectionné en
compétition officielle, le film a fait l’ouverture du Festival de Cannes 2012.
« La poésie, ce n’est pas toujours des mots, c’est aussi de la créativité »
« Moonrise Kingdom », c’est un peu l’improbable rencontre entre
« La guerre des boutons » et « C’est un beau roman » la chanson de Michel Fugain. On y croise des scouts en culottes courtes, de jeunes adolescents amoureux
et fugueurs, une famille à la dérive qui communique par portes voix interposés, ou encore un policier qui habite seul dans une caravane. Le tout bercé par les musiques de Henry Purcell et de
Françoise Hardy. Sur le papier, Wes Anderson nous conviait donc à une ballade très sixties sur la carte du tendre. Dans les faits, le film souffre à l’évidence d’un déséquilibre entre une forme
soignée à l’extrême au détriment d’une histoire qui tient sur un timbre poste. Prenant (encore une fois) le parti d’un minimalisme prétendument poétique, le cinéaste remplit l’espace d’objets et
de costumes « vintages » espérant ainsi (re)créer une ambiance particulière, mais ne parvient jamais à filmer autre chose que l’ennui. En totale roue libre, les comédiens qui composent
son prestigieux casting (Bill Murray, Frances McDormand, Bruce Willis, Edward Norton, Harvey Keitel) ne peuvent rien pour sauver ce film qui tourne complètement à vide. Véritable coquille vide,
« Moonrise Kingdom » semble révéler les limites d’un réalisateur très largement surcoté, qui ne parvient plus ni à se renouveler ni à faire illusion.
Par Platinoch
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Publié dans : Comédies romantiques
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« En devinant les incitations, on devine les comportements des gens »
Certaines rencontres font des étincelles. Stephen Debner, journaliste au New York Times, devait réaliser
une seule interview de l’économiste Steven Levitt. Finalement, de leur complicité naîtra en 2005 « Freakonomics », un ouvrage de vulgarisation pour répondre aux grandes
questions socio-économiques. Traduit en 35 langues et vendu à plus de quatre millions d’exemplaires à travers le monde, celui-ci deviendra un formidable best-seller. Au point d’être (en partie)
adapté en film. A cette occasion, il a été décidé de confier chacun des quatre segments qui composent le film à des réalisateurs de documentaire réputés pour leur approche
« anticonformiste » tels Morgan Spurlock (« Super size me »), Seth Gordon (qui réalisa « The King of kong » avant « Comment tuer son
boss ? ») ou encore Rachel Grady et Heidi Ewing (« Jesus camp »).
« Freakonomics », ça aurait pu être un peu « La socio-économie pour les
nuls ». Ou comment briser les idées reçues en la matière de façon ludique et compréhensible par tous. A ce titre, le film, emprunt de légèreté et de références à la culture populaire, est
plutôt sympathique et amusant. Reste qu’il demeure grandement inégal. Ainsi, si le long exposé sur la triche généralisée dans le monde du sumo ou la réflexion sur la baisse de la criminalité liée
à la légalisation de l’avortement se font passionnants, les segments consacrés à l’influence du choix du prénom sur le destin d’un enfant et à la motivation par l’argent au lycée sont beaucoup
moins probants. Reste que d’une manière générale, les démonstrations des auteurs aboutissent à des constats un peu trop évidents (les hommes sont cupides, sont prêts à tricher pour gagner plus,
l’argent dirige le monde). Et qu’on a parfois l’impression qu’ils se contentent d’enfoncer des portes ouvertes. Surtout, on se dit que de nombreuses questions auraient mérité d’être traitées et
que le format du film – trop court – demeure un peu frustrant. Sans doute une chronique télévisée régulière aurait été plus adaptée à ce genre d’exercice. Toutefois, en dépit de ses
imperfections, « Freakonomics » demeure un documentaire très intéressant et tout à fait recommandable.
« Ça fait sept ans que je travaille avec toi. Que je prends soin de toi. Pour autant, je ne t’ai jamais fait
confiance ! »
Après un premier essai raté du côté du film d’horreur (« The evil
woods » en 2007, inédit chez nous), le réalisateur Aaron Harvey nous revient avec son deuxième film, « Sans compromis ». Petit polar de série B sans prétention, le film sort chez
nous directement en DVD. Et ce malgré un gros casting, dans lequel on retrouve entre autres Bruce Willis, Forrest Whitacker (Oscar du meilleur acteur pour « Le dernier roi d’Ecosse »),
Brad Dourif (nommé à l’Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour « Vol au-dessus d’un nid de coucou ») ou encore Malin Ackerman.
Jeune trentenaire, Aaron Harvey est de cette génération de cinéastes qui a été
bercée par les délires de Quentin Tarantino et de son pote Robert Rodriguez, les deux sales gosses du cinéma américain qui ont remis au goût des années 90/2000 le cinéma dit d’exploitation. Pas
étonnant donc de le voir s’essayer au thriller de série B. L’occasion pour lui d’étaler ses références « Tarantinesques » : récit tordu, répétitions des flashbacks, abondance
de dialogues le plus souvent décalées (voir les discussions entre les trois filles, ou celle où Bruce Willis disserte sur les noix de pécan) et ambiance se voulant « rock’n’roll ».
Malheureusement, si ses intentions sont bonnes, Harvey ne maitrise pas totalement son sujet. A l’image de son intrigue, trop tordue pour si peu (sans spoiler, le switch est totalement
prévisible), qui sacrifie de surcroit inutilement certains personnages secondaires (comme le shérif interprété par Brad Dourif, qui apparait trente secondes au milieu du film et autant après le
générique, mais qui ne sert strictement à rien). Mais surtout, « Sans compromis » souffre un peu de la comparaison avec les nombreux films récents jouant un peu dans le même registre,
tels « Mi$e à prix » (Joe Carnahan), « Slevin » (McGuigan) ou encore « Shoot’em up » (Davis), qui claquaient tout de même beaucoup plus. Bilan mitigé donc pour ce
« Sans compromis », qui se laisse tout de même regarder sans déplaisir.
« Tu lui appartiens. Décides-toi vite. Sinon, une voiture viendra chez toi et
emmènera ta famille à Abou Ghraib. Si Dieu le veux, ils mourront vite »
D’abord perchman puis premier assistant réalisateur (notamment de Oshima sur «
Furyo »), le néo-zélandais Lee Tamahori passe à la réalisation pour la première fois en 1995 et signe le très remarqué « L’âme des guerriers ». Un succès qui lui ouvrira les portes
d’Hollywood où il se spécialisera dans le film d’action, tels « Les hommes de l’ombre » (1996), « Meurs un autre jour » (2002), « xXx2 » (2005) ou encore «
Next » (2007). Après quatre ans d’absence, il revient aux commandes de « The devil’s double », une production belgo-néerlando-canadienne, adaptation du roman de Latif Yahia
Al-Salihi, qui fut le sosie « officiel » de Oudaï Hussein. Sorti directement en DVD chez nous, le film a néanmoins bénéficié d’une sortie en salle aux Etats-Unis après avoir été présenté au
Festival de Sundance.
Dans la famille Hussein, on connaissait surtout Saddam, le tyran mégalomane et
sanguinaire, qui dirigea l’Irak de sa main de fer de 1979 jusqu’à sa chute, provoquée par la seconde guerre du Golfe, en 2003. On connaissait moins Oudaï, son fils ainé et successeur désigné.
Inspiré du roman en partie autobiographique de Latif Yahia, qui fut son sosie et sa doublure, « The devil’s double » nous plonge dans les arcanes du système baasiste irakien et plus
précisément dans les pas de Oudaï. On y découvre un quotidien fait de fastes, de luxe (voitures de sport, costumes de marques, montres…), de sexe, de drogue et d’excès en tout genre. Alors même
que pendant ce temps, le peuple irakien enterre ses morts de deux guerres successives et souffre de privations. Mais surtout, loin de l’image médiatique qu’il voulait (se) donner, on découvre en
Ousaï un véritable psychopathe pervers et cynique, adepte des viols, de la torture et des meurtres. En bon adepte d’un cinéma spectaculaire, Lee Tamahori s’emploie à filmer quelques morceaux de
bravoure (l’enlèvement d’adolescentes, le meurtre particulièrement sauvage d’un ami de son père) qui donnent à son récit des allures de films de gangsters. A ce titre, la descente aux enfers du
héros (et son aliénation), doublure du diable malgré lui, n’en est que plus sombre et oppressante. Assez violent, on comprend qu’un tel film ait pu effrayer les distributeurs. Toutefois, «
The devil’s double » est un film fort et intense (à l’image de la prestation bluffante de Dominic Cooper) qui mérite d’être découvert. Une bonne surprise !
« Vous avez de la chance d’être encore des enfants, profitez-en !
»
Scénariste de comédies ès nanars (« La beuze », « Neuilly sa mère
! »), Philippe de Chauveron était passé à la réalisation en 1999 avec « Les parasites », qui ne laissa pas un grand souvenir. Pas plus que son deuxième film, « L’amour aux
trousses » (2005), pourtant porté par Jean Dujardin et Pascal Elbé. Finalement, c’est avec « L’élève Ducobu » (2011), adaptation de la BD à succès de Zidrou et Godi, qu’il connaitra
le succès. Flairant très tôt le bon filon, il commençât à écrire cette suite pendant le tournage même du premier opus. A noter qu’à la différence du premier film, celui-ci bénéficie d’une
histoire originale, se s’appuyant sur aucun album de la saga dessinée.
On avait déjà eu droit aux adaptations cinématographiques des aventures de «
Titeuf » et du « Petit Nicolas ». Revoilà donc le gros Ducobu, dont les cancreries « sophistiquées », clairement destinées au (très) jeune public, nous avaient laissé un
souvenir plutôt pénible. Ce deuxième opus ne semblait donc pas franchement nécessaire et n’annonçait rien qui vaille. Pourtant, force est de constater que De Chauveron s’est efforcé d’améliorer
un peu son sujet en n’alignant plus les gags comme de vulgaires vignettes de BD mais en essayant de les lier par un semblant d’histoire. Forcément, le récit y gagne en fluidité. Même si le
réalisateur fait un peu dans la répétition (le premier film voyait Ducobu triompher des loups dans les bois, cette fois il triomphe d’un « Pource » dans la garrigue). Pour autant, le niveau de ce
« Ducobu » à la plage reste tout de même assez faible, entre les stratagèmes pas drôles du héros pour gagner le concours du club pour enfants (on n’échappe ni à la course en sac ni au
concours de pâtés de sable) et une chasse au trésor un peu ringarde. D’autant plus qu’à l’instar du premier film, le gamin qui hérite du rôle titre n’est jamais franchement convaincant.
Finalement, comme dans le premier opus, les rares moments qui parviennent à nous décrocher un sourire sont à mettre au crédit du tandem Elie Semoun/Joséphine de Meaux, accompagnés ici par Bruno
Salomone. Ça ne vole pas haut quand même.
« Vu de l’Empire State Building, Paris c’est flou ! »
Décidément, Julie Delpy aime les films qui marchent par deux. A l’image de
l’excellent diptyque « Before sunrise »/« Before sunset ». Six mois seulement après la sortie du « Skylab », elle nous revient avec « 2 days in New York », suite informelle de « 2 days in Paris »
sorti sur nos écrans en 2007. Souvenez-vous : elle débarquait alors à Paris pour présenter son boyfriend à sa famille et lui faire découvrir notre belle capitale. Malheureusement, le choc des
cultures était (forcément) au rendez-vous et l’encombrante famille Delpy (des parents grivois et envahissants, une sœur nympho, un ex embarrassant) créait des tensions dans le couple. Au tour
cette fois de la famille Delpy de venir rendre visite à Marion et de découvrir la grosse pomme. Reste que cinq ans plus tard, pas mal de choses ont changé : l’héroïne est devenue mère, a perdu la
sienne et a changé de boyfriend, vivant désormais avec Mingus, un animateur de radio black. Vous suivez toujours ?
Qui dit nouveau compagnon, dit nouvelles présentations. Et c’est là que le bât
blesse : Julie Delpy reproduit peu ou prou les mêmes quiproquos et les mêmes malaises que dans son volet parisien en abusant encore une fois (et plus que de raison) des clichés sur les français.
Papy Delpy, saucissons et camemberts scotchés sur le corps, est toujours aussi grivois (il pète et parle de cul et de branlette à tout va). Frangine Delpy est toujours la nympho de service (elle
se balade à poil et chauffe Mingus à peine arrivée, avant de faire bruyamment l’amour dans la salle de bain). Quant à l’ex Delpy, il est toujours aussi vulgaire (dans l’ascenseur) et sans-gêne.
Si la caricature trouvera probablement un écho favorable auprès du public américain, celle-ci, bien lourdingue, peinera davantage à faire rire le public français. Pourtant, tout n’est pas à jeter
dans le film de Julie Delpy. A l’image de son introduction avec le spectacle de marionnettes, pleine de malice. Mais c’est quand la réalisatrice dévoile ses doutes et ses interrogations (sur la
vie, la mort, la maternité, l’art, le temps qui passe…) dans une scène très faustienne (excellent Vincent Gallo) que le film trouve ses moments les plus intéressants. A noter aussi la belle
performance de Chris Rock, qui apporte un peu de calme au milieu d’un film trop souvent hystérique. Loin de l’univers de son pote Adam Sandler, il prouve qu’il est capable de bonnes choses.
Finalement, Paris et New York sont un peu les deux facettes de la réalisatrice. Et bien que le premier opus ne nous ait pas emballés outre mesure, on comprend son désir de faire cette suite. Qui
demeure tout de même très inégale (en dépit de quelques bonnes choses). Et pas forcément nécessaire.
« Il est important de savoir quand on est
battu »
Il était une fois l’un des contes les plus célèbres du monde. Et pour cause,
« Blanche Neige », publié en 1812, eut le suprême honneur de devenir le premier film d’animation de l’Histoire. Et par là même le premier grand classique des studios Disney. Vu
depuis sa sortie en 1937 par plusieurs générations d’enfants, le pari de retoucher à ce grand classique était forcément des plus risqués. C’était sans compter sur le réalisateur Tarsem Singh
(« Les immortels ») et son goût du contre pied. Bien décidé à revisiter l’œuvre à sa manière, il nous propose ici une surprenante relecture du conte des frères Grimm pour le
coup très « second degré », un peu dans l’esprit de « Shrek » ou de « La véritable histoire du petit chaperon rouge ». Exit donc la frêle et naïve
princesse, le prince chantant, les animaux qui font le ménage ou encore la pomme empoisonnée. Tarsem Singh leur préfère un univers plus décalé, dans lequel la princesse est une combattante, le
prince un peu à côté de la plaque et les nains totalement débonnaires (voire même un peu obsédés !). Le tout étant saupoudré d’un véritable fond féministe (ici, ce sont les femmes qui
prennent le dessus sur les hommes et qui rompent les maléfices en donnant un baiser). Et de belles trouvailles visuelles (la très belle introduction en animation, le combat contre les pantins).
Mais la réussite du film ne serait probablement pas celle-là sans le délicieux numéro de Julia Roberts, qui compose (visiblement avec beaucoup de plaisir) une reine à la fois cruelle, cynique et
égocentrique. Cabotinant avec beaucoup d’autodérision (excellente scène du soin pour le corps !), elle est beaucoup dans la réussite de cette étonnante comédie. Qui s’impose contre toute
attente comme l’une des bonnes surprises de ce printemps. En attendant la version « sérieuse » signée Rupert Sanders (avec Kristen Stewart et Charlize Theron), qui sortira dans un
mois.
« J’appelle qui pour t’apprendre
l’humilité ? »
Certains films sont inspirés par des romans. D’autres par l’actualité. D’autres
encore par des faits divers. Certains mêmes sont inspirés par d’autres films. Désormais, même des jouets pourront servir de source d’inspiration. Signe qu’Hollywood n’a plus grand-chose à
raconter pour se renouveler, le procédé s’est multiplié ces dernières années. Après « Transformers » et « G.I. Joe », place donc à
« Battleship », nouvelle production Hasbro qui s’inspire d’un jeu de toucher-couler. Aux commandes duquel on retrouve Peter Berg, ersatz de Michael Bay à qui l’on doit les
explosifs mais décevants « Bienvenue dans la jungle », « Le royaume » ou encore « Hancock ».
Décidément, l’Amérique n’a pas de bol. A chaque fois que les aliens débarquent,
c’est pour leur pomme ! Et en plus, la plupart du temps, ils sont belliqueux et veulent nous détruire ! Heureusement, grâce à leur armée moderne suréquipée et au courage de leurs
soldats, ils s’en sortent toujours. Voilà en gros pour la trame de ce gros navet boursoufflé à la gloire de l’Amérique, qui pompe allègrement ses références dans les blockbusters crétins comme
« Independance day », « Transformers » ou encore « World Invasion ». A ceci près qu’il n’apporte rien de nouveau : les aliens sont
toujours des humanoïdes (deux bras, deux jambes, deux yeux, un nez et une bouche), toujours en avance technologique sur nous, Brooklyn Decker remplace Megan Fox, et l’armée US ne doit une
nouvelle fois son salut qu’à la rédemption d’une tête brulée, accompagnée par son équipe « United colors of Benetton » caricaturale à souhait (le black amputé mais ultra courageux,
l’asiatique super ingénieux – limite fourbe). Ainsi qu’à un vieux cuirassé de la seconde guerre mondiale manœuvré par des vétérans (sic). Marine un jour, Marine toujours. 130 longues minutes
d’explosions et de second degré lourdingue (« mais j’ai sauvé le monde et vous me refusez la main de votre fille ? ») plus tard, l’Amérique a une nouvelle fois sauvé le
monde, se gargarisant de ses nouveaux héros (en vrac, le héros musclé de « John Carter », Rihana, ou encore un vrai mutilé de la guerre d’Irak). Dieu les bénisse. Et nous avec,
d’avoir supporté ce bon gros navet, aussi gavant qu’un burritos poulet, jusqu’à la dernière minute.
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