« Il y a une brebis galeuse et nous devons la trouver »

1973. La guerre froide empoisonne toujours les relations internationales. Les services secrets britanniques sont, comme ceux des autres pays, en alerte maximum. Suite à une mission ratée en Hongrie, le patron du MI6 se retrouve sur la touche avec son fidèle lieutenant, George Smiley. Pourtant, Smiley est bientôt secrètement réengagé sur l’injonction du gouvernement, qui craint que le service n’ait été infiltré par un agent double soviétique. Epaulé par le jeune agent Peter Guillam, Smiley tente de débusquer la taupe, mais il est bientôt rattrapé par ses anciens liens avec un redoutable espion russe, Karla. Alors que l’identité de la taupe reste une énigme, Ricki Tarr, un agent de terrain en mission d’infiltration en Turquie, tombe amoureux d’une femme mariée, Irina, qui prétend posséder des informations cruciales. Parallèlement, Smiley apprend que son ancien chef a réduit la liste des suspects à cinq noms : l’ambitieux Percy Alleline, Bill Haydon, le charmeur, Roy Bland, qui jusqu’ici, a toujours fait preuve de loyauté, le très zélé Toby Esterhase… et Smiley lui-même. Dans un climat de suspicion, de manipulation et de chasse à l’homme, tous se retrouvent à jouer un jeu dangereux qui peut leur coûter la vie et précipiter le monde dans le chaos. Les réponses se cachent au-delà des limites de chacun…

« Sachez qu’ils vous surveillent. Si vous êtes pris, vous ne me connaissez pas. »

Après une quinzaine d’années durant lesquelles il mit son talent de réalisateur au service de la télévision et du cinéma suédois, Tomas Alfredson accédait à la reconnaissance internationale grâce à son quatrième long métrage, « Morse ». Récompensé lors de plusieurs festivals (Gérardmer, TriBeCa) et couronné d’une nomination aux BAFTA, ce succès lui ouvrait les portes d’une carrière internationale. Pour ses débuts aux manettes d’une grosse production britannique, Alfredson adapte John Le Carré. Et plus précisément « La taupe » (publié en 1974), premier volet de la « Trilogie de Karla » que complètent les romans « Comme un collégien » et « Les gens de Smiley ». Déjà adapté en 1979 par et pour la BBC (avec Alec Guiness dans le rôle de Smiley), le film pourrait faire l’objet d’une suite qui serait d’ores et déjà en préparation. Présenté en compétition officielle à la Mostra de Venise, « La taupe » obtient trois nominations aux Oscars, dont une pour Gary Oldman dans la catégorie Meilleur acteur.

« Nous sommes l’ultime rempart entre Moscou et la troisième guerre mondiale »

Dès l’immédiat après-guerre, la littérature anglaise a popularisé les récits d’espionnage. Il faut dire qu’en la matière, les principaux auteurs du genre (John Le Carré, Grahame Green, Ian Fleming) étaient tous d’anciens espions du Secret Intelligence Service reconvertis en écrivains. Très vite, deux types d’espions ont ainsi émergé dans la culture populaire : celui de Ian Fleming, à la fois viril, séducteur et sophistiqué, et ceux des romans de Le Carré et de Green, souvent des bureaucrates d’apparence assez banale, mais aux capacités cérébrales remarquables. A l’image des héros de « La maison Russie » ou de « The constant gardener », autres best-sellers de Le Carré ayant déjà fait l’objet d’une adaptation au cinéma. Avec « La taupe », Alfredson ressuscite le film d’espionnage à papa. C'est-à-dire à l’ancienne, épuré de tout effet spectaculaire, privilégiant une ambiance faite de décors austères, de costumes d’époque et de dialogues parcimonieux. Le problème, c’est que le réalisateur noie son récit dans une intrigue à tiroirs inutilement complexe et dont la logique finit par échapper, faute d’intérêt, aux spectateurs. Quant aux comédiens, Alfredson a beau avoir devant sa caméra la crème du cinéma anglais (Colin Firth, John Hurt, Tom Hardy, Toby Jones), ceux-ci sont tellement réduits à de brèves apparitions qu’ils ne sont jamais en mesure de sauver – un tant soit peu – le film. Monument d’ennui, cette « Taupe » qui n’accouche que d’une (toute petite) souris déçoit au final énormément.

« Suis-je une mauvaise mère ? »

Lynn débarque chez ses parents pour le mariage de son fils aîné, Dylan. Elle est accompagnée de ses deux plus jeunes fils, Ben et Elliot. La propension de ce dernier à mélanger alcool, drogues et médicaments ne le prive pas d'une certaine lucidité sur la joie des réunions de famille. Et la réunion, de fait, est joyeuse : grands-parents réac, tantes médisantes, cousins irrémédiablement beauf.

Sans compter le premier mari de Lynn qui arrive flanqué de sa nouvelle femme tyrannique. Chaque matin annonce décidément un nouveau jour de bonheur. Une comédie sur des adultes en guerre, des ados en crise et le mariage qui les rassemble tous... pour meilleur et pour le pire.

« Tu veux dire que la seule chose qui nous unit, ce sont les pires moments de la vie ? »

Les chiens ne font pas de chats. Après une poignée d’apparitions devant la caméra, un scénario (« Operation endgame », sorti en direct-to-dvd) et un projet avorté (un documentaire sur le peintre Robert Rauschenberg), Sam Levinson, fils du célèbre réalisateur Barry Levinson (« Good Morning Vietnam », « Des hommes d’influences » et surtout « Rain man » pour lequel il a obtenu l’Oscar du meilleur réalisateur), se lance à son tour dans la réalisation avec « Another happy day », son premier film. Rencontrée sur le tournage de « Operation endgame », Ellen Barkin en a tellement apprécié le scénario qu’elle a non seulement accepté d’en tenir le rôle principal mais aussi de le produire. Présenté au Festival de Sundance, le film y a remporté le Prix du Meilleur Scénario.

« L’herbe ce n’est pas de la drogue, c’est comme un nounours ! J’ai arrêté les trucs forts, je ne prends plus que des drogues normales pour ados ! »

A ses traits marqués et à sa cinquantaine abîmée, on devine que la vie de Lynn n’a pas toujours été facile. On en a même la confirmation quand on découvre sa famille : un fils toxicomane, une fille suicidaire, des parents mal aimant, ou encore un ex-mari qui la frappait et qui lui a ôté la garde de son aîné. Qu’on se le dise, Lynn a une vie de merde. Alors forcément, elle pleure beaucoup, elle crie beaucoup et se gave de médocs. Pourtant, pour le mariage de son fils, la famille se réunit. A cette occasion, Lynn devra faire face aux critiques et au manque de compassion de sa famille tout en essayant de préserver ses enfants les plus fragiles. Construit sur le mode de « Rachel se marie » (Demme, 2008), Levinson se sert du mariage – cérémonie a priori festive – pour se livrer à un grand règlement de comptes. Bien que pas franchement nouveau, l’exercice aurait pu être jouissif. A condition toutefois de ne pas donner dans une surenchère d’hystérie collective rendant tous les personnages plus détestables les uns que les autres. Surtout, il aurait été bienvenu de sa part de nous donner les clés pour comprendre son intrigue. A commencer par savoir pourquoi tout le monde en veut autant à cette pauvre Lynn (ridicule la scène où le grand-père félicite son ex-gendre d’avoir assumé le fait qu’il battait sa propre fille !). Peu importe alors que Levinson ait devant sa caméra un casting aussi prestigieux (les oscarisés Ellen Burstyn et George Kennedy notamment), les deux heures de son film ressemblent à une torture interminable. La première purge de 2012.

« Jamais mes ancêtres n’ont vu de Sioux américains dans cette région »

Printemps 1877. De retour d'une saison de chasse, O'Rourke, sergent des Tuniques Rouges de la cavalerie canadienne, et Cajou, indien Cree et frère adoptif d'O'Rourke, tombent sur Grace Markey, seule survivante d'un convoi attaqué par les Sioux.

De retour au fort, O'Rourke informe le commandant Benton que les Sioux ont traversé la frontière canadienne et qu'ils vont tenter de rallier les Crees. Benton reçoit l'ordre de désarmer les Crees et de partir pour Fort Walsh. Au cours de ce périple, O'Rourke prend la situation en main...

« Si on a été capable de maintenir la paix au Canada avec un effectif de moins de 300 hommes, c’est que jusqu’ici on traitait les indiens comme des êtres humains »

Après avoir fait ses classes comme acteur, producteur et assistant réalisateur (notamment pour D. W. Griffith) durant la période du cinéma muet, Raoul Walsh prend du galon avec l’avènement du parlant, devenant un réalisateur à part entière. Se spécialisant d’abord dans les films noirs et de gangsters (« Les fantastiques années 20 », « La grande évasion », « Une femme dangereuse ») et les films de guerre (« Du sang sur la neige », « Aventures en Birmanie »), il devient l’un des réalisateurs les plus prolifiques des années 30 et 40. Mais plus que tout, c’est dans le western – son genre de prédilection – que Walsh s’illustre le plus. S’imposant comme l’un de ses meilleurs spécialistes, il réalise quelques films majeurs du genre (« La charge fantastique », « La rivière d’argent », « Une corde pour te pendre », « Les aventures du Capitaine Wyatt », « Les implacables ») et offre même son premier rôle à John Wayne (« La piste des géants » en 1930). Après un début de décennie 50 pour le moins prolifique (pas moins de 11 films réalisés entre 1950 et 1953 !), Raoul Walsh ralentit un peu la cadence et réalise un seul film en 1954, le western « Saskatchewan » (du nom de la province canadienne où il a été tourné), sorti en France sous le titre « La brigade héroïque ».

« Si on perd on sera scalpé. Si on gagne on sera pendu. »

Bien qu’ils ne soient pas directement liés, « La brigade héroïque » commence là où « La charge fantastique » se terminait quinze ans plus tôt. A savoir juste après la bataille de Little Big Horn (1876), durant laquelle les Sioux allaient s’offrir une victoire symbolique contre l’armée américaine ainsi que le scalp du mythique Custer. En conséquence de quoi les Sioux allaient être traqués et poursuivis par la cavalerie américaine jusqu’en territoire canadien où ils tenteront de rallier à leur lutte les paisibles tribus Cree. Assez inédit dans l’univers du western, ce changement de frontière et d’horizon devait conférer à ce film une touche d’exotisme nordique. Ainsi, les tuniques bleues de la cavalerie américaine (élément à part entière de la mythologie du western, à laquelle le grand John Ford consacrera même une trilogie) laissent ici place aux tuniques rouges de la police montée canadienne, qui n’avaient eu jusqu’ici les honneurs que d’un seul film, « Les tuniques écarlates » de Cecil B. DeMille (1940). En traversant la frontière, Walsh adopte pour l’occasion le point de vue des canadiens : pragmatiques et humains envers les indiens, ceux-ci vivent d’ailleurs en bonne intelligence avec eux. Tout le contraire de l’Amérique, qu’il critique sévèrement au travers du personnage du shérif, à la fois violent (envers la femme), lâche (il veut abandonner le soldat blessé, il tue un indien dans le dos) et manipulateur. Et alors que l’Amérique termine dans un bain de sang ses guerres indiennes, les soldats canadiens seront sauvés des Sioux par l’intervention des Cree. Porté par un très bon Alan Ladd et un Technicolor qui magnifie les superbes décors naturels du Saskatchewan, « La brigade héroïque » s’avère être un très bon western. Et un plaidoyer pour la réhabilitation des indiens, comme ont pu le faire quelques mois avant lui Dalmer Daves (« La flèche brisée ») ou Anthony Mann (« La porte du diable »).

« C’est forcément à toi qu’il répond puisque tu es la seule jeune fille à hisser des drapeaux »

Umi est une jeune lycéenne qui vit dans une vieille bâtisse perchée au sommet d’une colline surplombant le port de Yokohama. Chaque matin, depuis que son père a disparu en mer, elle hisse face à la baie deux pavillons, comme un message lancé à l’horizon. Au lycée, quelqu’un a même écrit un article sur cet émouvant signal dans le journal du campus. C’est peut-être l’intrépide Shun, le séduisant jeune homme qu’Umi n’a pas manqué de remarquer... Attirés l’un par l’autre, les deux jeunes gens vont partager de plus en plus d’activités, de la sauvegarde du vieux foyer jusqu’à la rédaction du journal. Pourtant, leur relation va prendre un tour inattendu avec la découverte d’un secret qui entoure leur naissance et semble les lier… Dans un Japon des années 60, entre tradition et modernité, à l’aube d’une nouvelle ère, Umi et Shun vont se découvrir et partager une émouvante histoire d’amitié, d’amour et d’espoir.

« M’occuper de tous ces gens m’empêche de me sentir triste et seule »

Dans la famille Miyazaki, on connaissait déjà Hayao, le père. Réputé pour ses talents de dessinateur et d’animateur dès les années 60, celui-ci se fait connaître du grand public à la fin des années 70 en tant que réalisateur d’anime (« Le château de Cagliostro » notamment), avant de créer quelques années plus tard les Studios Ghibli. Ceux-ci feront souffler un vent de renouveau sur le monde de l’animation japonaise en développant spécifiquement des longs métrages pour le cinéma. Une vraie révolution dans un pays où l’anime était traditionnellement conçue au format série télé. Imposant son style et son excellence, Miyazaki – et à travers lui les studios Ghibli – enchaîna les succès (« Mon voisin Totoro », « Le voyage de Chihiro », « Princesse Mononoké »), au point de se voir ouvrir les portes des marchés européens et nord-américains, peu habitué jusqu’ici à ces productions. Travaillant dans l’ombre de son père depuis une dizaine d’années, Goro Miyazaki était passé une première fois à la réalisation en 2006 avec « Les contes de Terremer ». Il nous revient cinq ans plus tard avec sa deuxième réalisation, « La colline aux coquelicots », adapté du célèbre manga shojo (manga pour filles) de Chizuru Takahashi paru en 1980. Pour la petite histoire, c’est Hayao Miyazaki qui en signe le scénario.

« Il n’y a rien à faire si ce n’est réprimer ce que l’on éprouve l’un pour l’autre. Faisons comme avant : restons de bons amis »

Malgré quelques tentatives (au demeurant réussies) d’Isao Takahata, les studios Ghibli ont toujours privilégié les contes fantastiques et oniriques sur lesquels ils ont bâti leur réputation (la plupart étant signés Hayao Miyazaki, tels « Mon voisin Totoro », « Princesse Mononoké », « Le chateau ambulant ») plutôt que les récits ancrés dans une certaine réalité sociale et historique (« Le tombeau des lucioles », « Souvenirs goutte à goutte », « Mes voisins les Yamada »). De fait, si les débuts de Goro Miyazaki étaient placés résolument dans les pas de son père (« Les contes de Terremer »), son deuxième film semble marquer son émancipation de l’univers paternel. En effet, avec « La colline aux coquelicots », Goro délaisse les créatures imaginaires et merveilleuses de son père pour nous proposer une chronique lycéenne ancrée dans les contestations estudiantines qui marquèrent le Japon des années 60. Sur fond de quête identitaire et de nostalgie, « La colline des coquelicots » nous convie à un joli récit initiatique, dans lequel deux adolescents feront l’expérience du premier amour en même temps que du premier combat « politique ». Si l’histoire semble être un peu plus mature qu’à l’accoutumée, Goro Miyazaki n’en oublie pas pour autant d’y insuffler tout ce qui fait la magie des films Ghibli : des paysages d’une beauté renversante, des couleurs magnifiques, une animation ultra léchée, ainsi que des musiques accrocheuses. De quoi rendre son film émouvant jusque dans la ritualisation des gestes quotidiens (la préparation du repas, le hissage d’un drapeau). Une belle surprise donc, que cette « Colline aux coquelicots », véritable petit moment de grâce et de charme qui habite le spectateur encore longtemps après l’avoir vu. L’élève semble s’affirmer et égaler le maitre !